{"title":"Architecture","description":"","products":[{"product_id":"s-m-l-xl-rem-koolhaas","title":"S, M, L, XL \/ Rem Koolhaas","description":"\u003cp\u003eオランダの建築家レム・コールハース率いるOMAの20年にわたるプロジェクトを、S, M,L,XLのサイズでまとめた古典的名著。背表紙に「建築についての小説である」と記述された本書は、リサーチ、エッセイ、マニフェスト、日記、記憶、旅行記、現代都市という舞台をめぐる思考のサイクルと、実現しなかった作品を含む最初の20年間の作品を組み合わせて掲載されています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e本書の土台となっている「サイズ」による分類は物理的な大きさに拠るものではなく、「スモール」と「ミディアム」が家庭から公共までの問題を扱うのに対し、「ラージ」はコールハースが言うところの \"ビッグネス \"に焦点を当てています。「エクストラ・ラージ」では、都市スケールのプロジェクトと、現代都市に関するその他の研究を取り上げています。AAスクール時代の卒業作品「エクソダス」にはじまり、何百もの文学、文化、芸術、建築のソースからの定義、解説を引用しながら、20世紀の建築が直面した悲惨さと素晴らしさ、を照らし出しています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 1,344\u003cbr\u003e\nSize: 72 × 183 mm\u003cbr\u003e\nhardcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by The Monacelli Press, 1995\u003c\/p\u003e","brand":"Monacelli","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750437503273,"sku":"","price":17600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_612002b7-036c-441a-a8e2-aa63b5cb640e.jpg?v=1711177369"},{"product_id":"jutaku-japanese-houses","title":"Jutaku: Japanese Houses","description":"\u003cp\u003e坂茂や藤本壮介、伊東豊雄、隈研吾から若手建築家まで、日本で建築家によって建てられた住宅500作をまとめた作品集。1ページにひとつの住宅を収録し、写真と延床面積／土地面積／居住人数のみを記載。各プロジェクトは地域ごとに分類され、現代日本の住宅建築の膨大な量と多様性を写し出しながら、読者を日本の建築風景を横断する旅へと誘う地理的な構成となっています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 512\u003cbr\u003e\nSize: 184 × 124 mm\u003cbr\u003e\nhardcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Phaidon, 2015\u003c\/p\u003e","brand":"Phaidon","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750437962025,"sku":"1","price":3960.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_7b403454-fcb3-4c46-acf7-da70b906681c.jpg?v=1711166623"},{"product_id":"cp138-gordon-matta-clark-readings-of-the-archive-gordon-matta-clark","title":"CP138 GORDON MATTA-CLARK: READINGS OF THE ARCHIVE \/ Gordon Matta-Clark","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ゴードン・マッタ=クラーク（Gordon Matta-Clark）（1943-1978）の作品集。2019年にカナダ建築センター（CCA）で開催された展覧会にあわせて刊行されたもの。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e本書は、空間あるいは建築への介入によって、都市とその構造の別の側面を探究し続けた作者のプロセスを、さまざまな資料から読み解いています。インスタレーションビューのほか、作者の写真やドローイング、スケッチ、展覧会のアイデアを記したメモ書き、手紙、所有していた本など、作者の作品から関連資料に至るまで豊富な図版を収録。また、廃棄された作者のフィルムの映像を長い時間をかけて再構成し行われた「記録と復元」への試みや、何百枚にもわたる旅の写真によって作者の周囲の世界を構築した視覚的なパノラマなどがまとめられています。今なお現代のアーティストや建築家に大きな影響を与える作者の、その思考の痕跡を辿った一冊です。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eIn mid-1969, Matta-Clark moved to New York City and his early projects involved transformations such as Photo-Fry (1969), Agar (1969-1970), Garbage Wall (1970), and Time Well (1971). He began executing building interventions in 1971 when he cut walls in a loft in New York City to create Sauna (1971) and at the Museo de Bellas Artes in Santiago where he made an untitled wall cutting (1971). Throughout the following years of his major building cuts, Matta- Clark continued to explore other aspects of cities and their structures. This book unpacks the comprehensive Gordon Matta-Clark collection at the CCA Montréal, opening it up to provisional readings from different points of view. Yann Chateigné reorganizes Matta- Clark’s library into areas of inquiry, from alchemy to psychoanalysis, as a framework for gathering traces— written and drawn—of his thinking. Hila Peleg reassembles hours of discarded film footage, challenging the notion of documentation and returning. Published on the occasion of the exhibition at the Canadian Centre for Architecture, Montréal, 6 June 2019 – 2 August 2020.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 248\u003cbr\u003e\nSize: 310 x 240 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover \u003cbr\u003e\ncolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by WALTHER KÖNIG, CANADIAN CENTER FOR ARCHITECTURE (CCA), 2020\u003c\/p\u003e","brand":"CCA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750442123561,"sku":"1","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/CP138GORDONMATTA-CLARK.jpg?v=1709869888"},{"product_id":"2g-no-88-carla-juacaba","title":"2G No. 88 CARLA JUAÇABA","description":"\u003cp\u003eスペイン発の建築雑誌「2G Magazine」第88号。本号では、ブラジル人建築家のカーラ・フアサバ（Carla Juaçaba）を特集。作者は2000年に自らの名を冠した建築事務所をブラジルのリオデジャネイロに設立。公的ないし個人的なプロジェクトいずれにも携わり、住宅建設のみならず文化的プログラムも主として活動する。ブラジル初のがん患者のためのホスピスや、「ヴェネチア・ビエンナーレ国際建築展（Venice Biennale）」のバチカン館のために屋外チャペルをデザイン。本号では、作者の住宅建築のシリーズに注目し、「リオ・ボニート（Rio Bonito）」（2005年）、「ベランダ（Varanda）」（2007年）、「ミニマル（Minimal）」（2008年）や「サンタ・テレサ（Santa Teresa）」（2014年）を収録。また、サステナブルな発展のための国連議会の折に制作された巨大な仮設パヴィリオン「Humanidade（人間性）」も収録。このパヴィリオンの設計者として、作者は女性のための国際的な建築界の賞である第1回「アーク・ビジョン賞」を受賞している。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eThis latest issue of 2G is dedicated to the work of Carla Juaçaba, who founded her eponymous architectural practice in Rio de Janeiro, Brazil, in 2000. Her firm engages in both public and private projects, focusing on housing and cultural programmes; she designed Brazil’s first cancer hospice and an outdoor chapel for the Vatican’s pavilion at the Venice Biennale. This issue features her series of houses including Rio Bonito (2005), Varanda (2007), Minimal (2008) and Santa Teresa (2014), as well as the giant temporary pavilion Humanidade, created for a UN conference on sustainable development, which earned her the inaugural arcVision Prize, an international award for women in architecture.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 160\u003cbr\u003e\nSize: 230 x 300 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\ncolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by WALTHER KÖNIG, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750445465897,"sku":"1","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_ed5c222a-baaa-45e6-9cca-66fa3da3115c.jpg?v=1709824835"},{"product_id":"2g-no-89-bast","title":"2G No. 89 BAST","description":"\u003cp\u003eスペイン発の建築雑誌「2G Magazine」第89号。本号では、フランス・トゥルーズを拠点に活動する建築スタジオ「Bureau Architectures Sans Titre（通称：BAST）」を特集。トゥールーズにあるガレージを改装してつくられた彼ら自身のアトリエや、二軒の住宅を接続して組み合わせつくられた家族向け住居ほか、改修や機能の転換によってつくられた住宅を中心に14の事例を紹介しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e各プロジェクトが持つ多様な可能性を試すために、主体的な研究姿勢をとってきた「BAST」は、デザインにおける各段階で、複数の異なる解決方法を提案する。その結果、決まりきった正規の方法には従わず、「BAST」のプロジェクトは進化的なプロセスを経る。それを見て建築家たちは、モダンなアッサンブラージュやモンタージュの思想を想起する。構造単位は、ロジック、ファサードの層、衝突する構造、断面の重ね合わせによって挑まされる。全体的なロジックは、似ているもの、何かに似ているけれども我々が期待しているものとは違うものから派生し、その要素は混ぜ合わされる。そうでなければ、建築現場はすぐに混沌に陥ってしまうからである。構造原理が論理を与え、設計順序がその要素をまとめ上げる。いったん設計方針が決まれば、窓枠がどこにあろうとなかろうと、触媒はすでにそこに完成されているのである。そして、希望に満ちた未来を見据えて、断片を組み立てていく。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBAST have taken a proactive attitude to research in order to experiment with the diverse potentialities of each project. At each step of the design phase, they propose multiple different solutions. As a result, they do not follow a set formal method; instead, their projects go through an evolutionary process. BAST’s architecture practice is located in Toulouse, France. The architects recall ideas of modern assemblage and montage: the structural unit is challenged by the superposition of logics, façade layers, colliding structures, sections. The overall logic derives from resemblances, things that look like something else, but are not exactly what we expect. These elements are mixed together. Controlling the resulting combination requires a very clear idea, because otherwise the building site can soon descend into chaos. The structural principle provides the logic, and the design sequence drives together these elements. Once the design principle has been defined, regardless of whether the window frame is here or there, the catalyst is already in place. The fragments can then be assembled with an eye to a promising future.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 160\u003cbr\u003eSize: 230 x 300 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by WALTHER KÖNIG, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750446055721,"sku":"1","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_30c694fd-34ff-4262-af84-929764d680f0.jpg?v=1709824773"},{"product_id":"real-review-13-issue-for-winter-2022","title":"REAL REVIEW 13 Issue for Winter 2022","description":"\u003cp\u003eイギリスの建築家ジャック・セルフ（Jack Self）が主宰する「REAL foundation」刊、「what it means to live today」をテーマにした季刊のコンテンポラリー・カルチャー誌『REAL REVIEW』の第13号。本号のテーマは「MINING THE PAST」。過去をテーマに言及された様々な寄稿とともに、ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）による写真の上から絵の具で塗りつぶした作品を原寸大で複製した一枚”04.03.2003”が付属。本誌のオリジナルデザインはイギリスのデザイン・スタジオ「OK-RM」が手がけています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eすべての時代は同等に、そして一斉に現れる。過去はもはや整然と後退するのではなく、現代を装っていつでも再浮上する恐れがある。ノスタルジアの周期は早くなっている。古いものが、現在のトレンドの不可欠な構成要素として戻ってくる。未来は、もう望ましいものでも、予見できるものでもない。同時に、この時代の無秩序は、明日を今日とそっくりにするためのアルゴリズムによる広大なプロジェクトであることを隠している。それは、過去を制するものは未来を制し、現在を制するものは過去を制するということである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e過去は誰のものなのか？アメリカ人ファッションエディター兼コラム執筆家のロビン・ジヴハン（Robin Givhan）に、多元的な歴史について本号でインタビューを敢行する。ドイツ人アーティスト、ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）は、写真の上から絵の具で塗りつぶした作品シリーズの複製画を再現する。イギリス人作家のフィリパ・スノウ（Philipa Snow）は、レザージャケットをレビューする。ファッションブランド「バレンシアガ（Balenciaga）」のチーフ・クリエイティブ・オフィサーを務めるマルティーナ・ティーフェンタラー（Martina Tiefenthaler）と建築家であり本誌主宰のジャック・セルフ（Jack Self）は、ファッションにおける過去との周期的な関係について語り、アメリカ人哲学者のクリストファー・シャベーグ（Christopher Schaberg）は航空会社を利用した旅行の混乱についてレビューする。ディレクターでありプロデューサーのダーシー・トーマス（Darcy Thomas）は、気候変動の「損失と損害」​​の補償と奴隷の歴史について語る。建築家兼ライターのソフィア・アラミ（Sophia Alami）は、「コンシャス・パーティー（conscious parties）」を、レオン・バッチェラー（Leon Batchelor）は地質時代区分の一つである石炭紀（Carboniferous period）についてレビューする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e2001年生まれの歴史家、ミナ・ポーロ（Mina Polo）は20世紀について振り返り、デザイナーのマルティン・シグラー（Martin Sigler）は「ブラック・ビーイング（Black Being）」、ドイツ人哲学者マルティン・ハイデッガー（Martin Heidegger）、「ネグリチュード（黒人性）」をレビューする。アーティストのジョーダン\/マーティン・ヘル（Jordan\/Martin Hell）は、問いかけることの冒涜について語る。さらにジャック・セルフは、フルフィルメント（充足感）の延期と住宅問題を、パトリック・マックグロー（Patrick McGraw）とリアム・デンハマー（Liam Denhamer）は2部屋構成のアパートをレビューする。イギリス人ライターのハリマ・アリ（Halima Ali）は家庭内（非）機能主義について批評する。オーストラリア人建築家のエミリー・サンドストロム（Emily Sandstrom）は、アーティストユニットの「modem」が描くスマートシティーのビジョンをについて語り、ライターのダイアン・ポルヘムス（Diane Polhemus）は、英国トラス政権の戦略「トラスノミクス（Trussonomics）」を批評。タニヤ・アナンド（Tanya Anand）は、キーワードとジェネラティブアートを、クリスティーン・スミス（Christine Smith）は蜘蛛の夢についてレビューする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAll times appear equally and at once. The past no longer recedes in an orderly way, but threatens to resurface at any moment in the guise of the contemporary. Nostalgia cycles are getting faster. Old material artefacts return as integral components of current trends. The future is no longer desirable or unforeseen. Simultaneously, the chaos of our epoch masks a vast project of algorithmic derisking to make tomorrow identical to today: who controls the past controls the future; who controls the present controls the past.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eINSIDE REAL REVIEW 13\u003cbr\u003eWho owns the past? We interview columnist ROBIN GIVHAN on pluralist history. Artist GERHARD RICHTER reproduces a reproduction of an overpainted photograph. Author PHILIPPA SNOW reviews leather jackets. Balenciaga CCO MARTINA TIEFENTHALER and JACK SELF discuss fashion's cyclical relationship with the past, while philosopher CHRISTOPHER SCHABERG reviews airline travel chaos. Director DARCY THOMAS reviews climate reparations and the history of slavery. SOPHIA ALAMI reviews conscious parties and LEON BATCHELOR reviews the Carboniferous Period.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHistorian MINA POLO was born in 2001 and reviews the 20th century. Designer MARTIN SIGLER reviews Black Being, HEIDEGGER and NEGRITUDE; Artist JORDAN\/MARTIN HELL reviews the blasphemy of asking. JACK SELF reviews deferred fulfilment and the housing crisis, while PATRICK MCGRAW and LIAM DENHAMER review a two-room apartment. HALIMA ALI reviews domestic (non)functionalism. EMILY SANDSTROM reviews MODEM's vision of the smart city. DIANE POLHEMUS reviews Trussonomics. TANYA ANAND reviews keywords and generative art; CHRISTINE SMITH reviews the dreams of spiders.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 104\u003cbr\u003eSize: 115 x 260 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003epublished by REAL, 2022\u003c\/p\u003e","brand":"REAL","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750446121257,"sku":"1","price":2420.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/realreview13.jpg?v=1709824674"},{"product_id":"living-with-charlotte-perriand-charlotte-perriand","title":"LIVING WITH CHARLOTTE PERRIAND \/ Charlotte Perriand","description":"\u003cp\u003eフランス人建築家、シャルロット・ペリアン（Charlotte Perriand）の作品集。偉大なデザイナーでもある作者の作品をオブジェごとに紹介しています。本書では、作者の椅子、テーブル、本棚のディティールから、コレクターの生活空間の中で実際に使用されている様々な姿を見ることができます。作者の家具がいかに時代を超えて生き残ってきたかを、歴史的背景と現代的背景の両方から写真で紹介した一冊。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eフランス人アートディーラーであるフランソワ・ラファノール（François Laffanour）とフランス人哲学者、学者のシンシア・フルーリー（Cynthia Fleury）によるエッセイでは、作者の作品群について深く掘り下げるほか、ル・コルビュジエ（Le Corbusier）やジャン・プルーヴェ（Jean Prouvé）など、同時代に活躍したアーティスト、デザイナー、建築家とのコラボレーションの軌跡について解説しています。また本書には、作者や作者のデザインと共に生活するコレクターたちの言葉が編み込まれています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLiving with Charlotte Perriand presents a catalog of the great designer’s work, object by object. Her chairs, tables and bookshelves in all their different iterations are seen here both up close and \"at home,\" as installed in the living spaces of collectors. Photographs of both historical and contemporary settings show how Perriand’s furniture stands the test of time and taste. Essays by François Laffanour and Cynthia Fleury provide a deeper insight into Perriand's work and retrace her life and collaboration with other great artists, designers and architects of her time, such as Le Corbusier and Jean Prouvé. Additionally, quotes from Perriand and the collectors who live with her designs are interpersed throughout the book.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 352\u003cbr\u003eSize: 243 x 293 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by SKIRA, 2019\u003c\/p\u003e","brand":"SKIRA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750447628585,"sku":"1","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_122593d8-e3f9-42c5-82dd-54c1ff9a5238.jpg?v=1709823977"},{"product_id":"chinati-the-vision-of-donald-judd-second-edition","title":"CHINATI: THE VISION OF DONALD JUDD [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003eアーティストによる大型インスタレーション作品の恒久展示を理念とし、アメリカ人アーティスト、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）によって1986年にテキサス州のマーファに設立された現代美術館「チナティ・ファンデーション」について包括的にまとめた作品集。チナティ・ファンデーションの歴史や建築について豊富な図版で紹介しながら、ドナルド・ジャッドのほか、カール・アンドレ、ロニ・ホーンなど同館の収蔵作品を総合的にまとめたカタログでもあり、また本書はチナティ・ファンデーションのみを対象とした唯一の書籍となり、研究者や学生、美術館を訪れる人たちにとって重要な資料となっています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e2010年にチナティ・ファンデーションと「Yale University Press」が共同で出版した本書を、現館長のマリアンヌ・ストックブランド（Marianne Stockebrand）が編集・執筆し、カバー写真も新たに新装版として2020年に刊行した第二版。同財団の特別展、アーティスト・イン・レジデンス・プログラムなどの活動に関する資料を掲載し、初版が刊行された後の約10年間の記録が反映されています。2020年3月にニューヨーク近代美術館（MoMA）で開催されたドナルド・ジャッドの回顧展に伴い刊行された一冊。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e掲載作家：Donald Judd, John Chamberlain, Roni Horn, David Rabinowitch, Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen, Richard Long, Ingólfur Arnarsson, Ilya Kabakov, Carl Andre, Robert Irwin, Dan Flavin, John Wesley, and others.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSpring 2020 saw the publication of a new edition of Chinati: The Vision of Donald Judd, edited and principally written by director emerita Marianne Stockebrand, originally co-published in 2010 by Chinati and Yale University Press. This comprehensive history of the museum and catalogue of the collection is the only volume dedicated exclusively to the Chinati Foundation, and is a principal resource for scholars, students, and visitors to the museum. The second edition of Chinati: The Vision of Donald Judd includes a new chapter on Robert Irwin’s permanent installation untitled (dawn to dusk), which was added to the collection in 2016. The volume’s back matter—artist bibliographies and materials related to Chinati’s special exhibitions, the artist in residence program, and other activities—has been updated to reflect the nearly ten years between the book’s original publication and the second edition. Chinati director Jenny Moore has contributed a new preface to this edition, which is co-published by the Chinati Foundation, Yale University Press, and Hatje Cantz. This is an ideal moment for an updated second edition of this indispensable volume—published to coincide with the March 2020 opening of the Donald Judd retrospective at the Museum of Modern Art.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 352\u003cbr\u003eSize: 245 x 293 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003eSECOND EDITION\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by CHINATI FOUNDATION, YALE UNIVERSITY PRESS, 2020\u003c\/p\u003e","brand":"Chinati Foundation","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750448546089,"sku":"1","price":12650.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_de7f174b-e7de-44f6-b538-1206e024a53f.jpg?v=1709823651"},{"product_id":"dessins-peter-markli","title":"Dessins \/ Peter Märkli","description":"\u003cp\u003eスイスを代表する建築家ペーター・メルクリ（Peter Märkli）の作品集。建築家自身による700点にも及ぶ膨大なドローイングをまとめたもの。本書は、素材やプロポーション、文化的背景を重視した現代的なデザインで知られている作者の40年以上にわたるポートフォリオとなっています。フランス語とイタリア語による8つのエッセイも収録。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLeading Swiss architect Peter Märkli is renowned for his contemporary designs that emphasise materials, proportions, and cultural context. With a diverse portfolio spanning over 40 years, his work showcases an attention to detail and a commitment to creating harmonious spaces. Providing an in-depth study of Märkli’s work through an extensive body of 700 drawings by the architect himself, this book also includes eight essays in French and Italian. Märkli studied at the Swiss Federal Institute of Technology in Zurich. During this time he met his mentor, architect Rudolf Olgiati, and famed sculptor Hans Josephsohn. He then established Studio Märkli, in 1978.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 768\u003cbr\u003eSize: 160 x 240 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor \u0026amp; bw\u003cbr\u003eItalian,French\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Caryatide, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Caryatide","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750448611625,"sku":"","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img1_a2f0155f-cb87-4870-9c11-1c9a22958f00.jpg?v=1709823562"},{"product_id":"apartamento-issue-32-autumn-winter-2023-24","title":"APARTAMENTO ISSUE #32 Autumn\/Winter 2023-24","description":"\u003cp\u003e世界中のアーティストやデザイナー、音楽家、映画監督、スタイリストなどの自宅やアトリエを訪れ、彼らの生活空間に焦点を当てたスペイン発のインテリア雑誌『Apartamento』。第32号では、イギリス人アーティスト、アンシア・ハミルトン（Anthea Hamilton）のロンドンの自宅でのインタビューや、イングランドのミュージシャン、キング・クルール（King Krule）の対談、写真家ディアナ＆エド・テンプルトン（Deanna \u0026amp; Ed Templeton）、小説家ブライアン・ワシントンなど、現代美術から音楽、文学、ストリートまで、Apartamentoならではの一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e最新号では、創造力の中で自由を見いだす旅へと読者を誘う。第32号の表紙を飾るのは、ニューヨーク州北部の自宅でクールなブルーを背景にリラックスするカナダ人映画監督、マリアンナ・ローゼン（Marianna Rothen）。撮影はニューヨークを拠点に活動するアーティスト、クリス・ラトレル（Chris Luttrell）が担当する。本誌の背表紙にあしらわれた絵柄は、イギリス人アーティスト、アンシア・ハミルトン（Anthea Hamilton）によるデザイン。ロンドンの自宅で行われたインタビューでは、若きスタイリストでバービーの愛好者である娘、ステラ・ハミルトン・バーン（Stella Hamilton Byrne）も参加する。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e他にも、ミュージシャン、キング・クルール（King Krule）の最新アルバム「Space Heavy」のリリース直前に編集者であるカーメン・ホール（Carmen Hall）とフォトグラファー、フィルムメーカーのフランク・ルボン（Frank Lebon）と対談。また、ベストセラー作家アクウェケ・エメジ（Akwaeke Emezi）、スケートボード界とストリートフォトのレジェンドであるディアナ＆エド・テンプルトン（Deanna \u0026amp; Ed Templeton）、トム・オブ・フィンランド（Tom of Finland）の「LA Pleasure Park」への旅、チェスのグランドマスターであるノナ・ガプリンダシヴィリ（Nona Gaprindashvili）に関する記事を掲載。さらに、『メモリアル（Memorial）』と『ファミリー・ミール（Family Meal）』の受賞作家であるヒューストン出身のブライアン・ワシントン（Bryan Washington）による本誌のために書き下ろした文章や、音楽誌『ビルボード（Billboard）』、『バイブ（Vibe）』の元編集者であり、『Shine Bright』で称賛を受けたアメリカ人音楽史家ダニエル・スミス（Danyel Smith）による寄稿など、注目記事やサプライズも満載の一冊。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 384\u003cbr\u003eSize: 170 x 240 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by APARTAMENTO, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750455525673,"sku":"1","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/apartamento32.jpg?v=1709820865"},{"product_id":"casa-dali-coco-capitan","title":"CASA DALÍ \/ Coco Capitán","description":"\u003cp\u003eサルバドール・ダリ（Salvador Dalí）の邸宅を、スペイン人フォトグラファー、アーティストのココ・カピタン（Coco Capitán）が撮影した作品集。ダリが1930年代初頭に買い取った、スペインのコスタ・ブラバ海岸に位置するこの家は、作家にとって主要な住居兼アトリエとされています。本作では、多くの代表作を生み出したこの場所を、ココ・カピタンならではの眼差しで撮影。作品や古びた日用品、象徴的な家具や内装、剥製コレクションの写真などを収録しています。また、ココ・カピタンが撮影時に書き下ろした詩が本書の表紙と裏表紙を飾っており、作者の内省的なアプローチを象徴しています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 96\u003cbr\u003e\nSize: 240 x 285 mm\u003cbr\u003e\nhardcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by APARTAMENTO, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750455591209,"sku":"1","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/casadali.jpg?v=1709820815"},{"product_id":"ex-dreams-もうひとつのミッドセンチュリーアーキテクチャ","title":"ex-dreams もうひとつのミッドセンチュリーアーキテクチャ","description":"\u003cp\u003e福島加津也＋冨永祥子建築設計事務所が近代建築の研究・リサーチを行うガデン出版の第二弾とな作品集。本書では、新しい建築素材であるアルミニウムに着目してアメリカ建築をリサーチしています。アルミニウムを活用した住宅や高層ビルから徐々にアルミニウムの未来的イメージが独り歩きして、やがてグーギー建築と呼ばれるロードサイドのダイナーへ、さらにはポストモダン建築へと発展。モダンからポストモダンへの転換期にあたる19のアメリカ建築と4つの日本の事例を、写真と図面、イラスト、漫画によって紹介しています。ブックデザインは米山菜津子。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e*\u003cbr\u003eこうした多様な建築の理解を深めるため、論考やインタビューも含まれている。建築生産、建築構法が専門の東京大学の権藤智之による論考。『シェルター』の著者であり『ホール・アース・カタログ』の編集者でもあったロイド・カーンへのインタビュー。グーギー建築を代表する建築家アーメー ・デイビズの現在のパートナーであるビクター・ニューラブへのインタビュー。建築史が専門の東京大学、ハーバード大学のセン・クアンとの座談。建築家の塚本由晴との座談。さまざまな人との対話を通して、この捉えづらい建築に迫ろうとしている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e《本書で取り上げる主な建築家とその作品》\u003cbr\u003e◆ゴードン・バンシャフト（アメリカ／1909-1990）\u003cbr\u003eマニュファクチャーズ・トラスト・ビル\u003cbr\u003e◆ラファエル・ソリアーノ（アメリカ／1904-1988）\u003cbr\u003eグロスマン邸、シュールマン邸\u003cbr\u003e◆ルイ・アーメー、エルドン・デイビス（アメリカ／1914-1981、1917-2011）\u003cbr\u003eノームズ・ラ・シエネガ店、パンズ・コーヒーショップ\u003cbr\u003e◆ジョン・ロートナー（アメリカ／1911-1994）\u003cbr\u003eガルシア邸、フィッシャー邸\u003cbr\u003e◆ルイス・カーン（アメリカ／1901-1974）\u003cbr\u003eエシェリック邸\u003cbr\u003e◆ロバート・ヴェンチューリ（アメリカ／1925-2018）\u003cbr\u003e母の家\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e《Holz Bauについて》\u003cbr\u003e2020年に発売され、2週間で完売したガデン出版の本。日本の出版としては初めて、その年の世界における建築本のベスト10を決めるDAM（ドイツ建築博物館）Architectural Book Awardで The Best Architectural Books を受賞した。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e編集・企画：福島加津也、冨永祥子、佐脇礼二郎\u003cbr\u003e寄稿・インタビュー：権藤智之、ロイド・カーン、\u003cbr\u003eビクター・ニューラブ、セン・クアン、塚本由晴\u003cbr\u003eデザイン：米山菜津子\u003cbr\u003e印刷・製本:ライブアートブックス\u003cbr\u003e出版：ガデン出版\u003cbr\u003eA4判変形300×216mm｜272頁｜日英併記｜コデックス装｜ISBN 978-4-9911456-1-2\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 272\u003cbr\u003eSize: 300 × 216 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003eJapanese \/ English\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDesign: Natsuko Yoneyama\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by GADEN BOOKS, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"GADEN Books","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750457033001,"sku":"1","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/ex-dreams.jpg?v=1709819951"},{"product_id":"ノーツ-第一号-庭-第二版-group井上岳-齋藤直紀-大村高広","title":"ノーツ 第一号 「庭」　第二版 \/ GROUP(井上岳＋齋藤直紀)＋大村高広","description":"\u003cp\u003e建築コレクティブGROUPによる、毎号異なるテーマを特集するインタビューを主体とした本『ノーツ』。ノート（note）という言葉には記録や注、覚え書きといった意味がありますが、この本は、様々な技術や知識、経験をもった人々との対話の記録と、それに併走するたくさんの注釈を束ねています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e第一号のテーマは「庭」。庭師であり美学研究者である山内朋樹 、都市生態学を専門とする曽我昌史、音楽家であると同時に人工知能の最前線に立つ土井樹、鳥取の山奥に移住し独自のコミュニティを形成している料理家の城田文子らへの長文インタビュー、高野ユリカによる写真作品、C.TH.ソーレンセンの未邦訳の論考の抄訳を収録。デザインはREFLECTA, Inc.(岡﨑真理子+邵琪)+後藤尚美。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e第一版から約1000か所の修正を加え、サイズはひとまわりコンパクトになった第二版。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e井上岳\u003cbr\u003e建築家・博士(工学) 石上純也建築設計事務所を経て、GROUP共同主宰。 Instagram:@inouegaku\u003cbr\u003eGROUP HP:https:\/\/groupatelier.jp\/\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e齋藤直紀 \u003cbr\u003e建築家・博士(工学)。東京大学IFI特任助教。GROUP共同主宰。共編著に『東京の創発的アーバニズム』(学芸出版社, 2022年)、『EMERGENT Tokyo』(ORO Editions, 2022年)がある。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e大村高広\u003cbr\u003e1991年富山県生まれ。東京理科大学大学院博士後期課程単位取得満期退学。博士(工学)。2023年までGROUP共同主宰。2023年から茨城大学工学部助教。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 132\u003cbr\u003eSize: 130 x 297 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublisheds by NOTESEDITION, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"NOTESEDITION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48513613431081,"sku":"","price":2200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/notes1.jpg?v=1715676487"},{"product_id":"the-modern-life-exhibition-catalogue-charlotte-perriand","title":"THE MODERN LIFE EXHIBITION CATALOGUE \/ Charlotte Perriand","description":"\u003cp\u003eフランス人建築家、シャルロット・ペリアン（Charlotte Perriand）の作品集。偉大なデザイナーでもある作者の作品をオブジェごとに紹介しています。本書では、作者の椅子、テーブル、本棚のディティールから、コレクターの生活空間の中で実際に使用されている様々な姿を見ることができます。作者の家具がいかに時代を超えて生き残ってきたかを、歴史的背景と現代的背景の両方から写真で紹介した一冊。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eフランス人アートディーラーであるフランソワ・ラファノール（François Laffanour）とフランス人哲学者、学者のシンシア・フルーリー（Cynthia Fleury）によるエッセイでは、作者の作品群について深く掘り下げるほか、ル・コルビュジエ（Le Corbusier）やジャン・プルーヴェ（Jean Prouvé）など、同時代に活躍したアーティスト、デザイナー、建築家とのコラボレーションの軌跡について解説しています。また本書には、作者や作者のデザインと共に生活するコレクターたちの言葉が収録されています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLiving with Charlotte Perriand presents a catalog of the great designer’s work, object by object. Her chairs, tables and bookshelves in all their different iterations are seen here both up close and \"at home,\" as installed in the living spaces of collectors. Photographs of both historical and contemporary settings show how Perriand’s furniture stands the test of time and taste. Essays by François Laffanour and Cynthia Fleury provide a deeper insight into Perriand's work and retrace her life and collaboration with other great artists, designers and architects of her time, such as Le Corbusier and Jean Prouvé. Additionally, quotes from Perriand and the collectors who live with her designs are interpersed throughout the book.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 286\u003cbr\u003eSize: 190 x 250 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by THE DESIGN MUSEUM, 2021\u003c\/p\u003e","brand":"THE DESIGN MUSEUM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48553021112617,"sku":"","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/THEMODERNLIFEEXHIBITIONCATALOGUE.jpg?v=1716109915"},{"product_id":"before-after-alvaro-siza-1","title":"Before \/ After \/ Álvaro Siza","description":"\u003cul\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eポルトガルを代表する建築家、アルヴァロ・シザ（Álvaro Siza）の作品集。シザは、20世紀から21世紀にかけて最も重要な建築家のひとりとして広く知られています。そのキャリアを通じて数々の賞を受賞してきた彼の建築作品は、機能的であると同時に美的であり、しなやかなシンプルさ、細部への入念な配慮、周辺環境との調和が特徴的です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eシザが長年協働する建築写真家ドゥッチョ・マラガンバ（Duccio Malagamba）とともに企画された本書は、マルコ･デ･カナヴェーゼスのサンタ･マリア教会やサンティアゴ大学情報科学学部などの代表作をはじめ、シザが自ら選んだ20の魅力的なプロジェクトを収録。建築の主意を捉えた写真と、それらの原点とも言えるシザの個人的な手描きのスタディやスケッチ、ドローイングがまとめられた一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eシザの作品は、若い世代の建築家たちにも大きな影響を与え、注意深い観察と人間の経験に対する深い理解に根ざした彼の建築へのアプローチは、世界中の数え切れないほどのデザイナーたちに影響を与えています。1933年ポルトガル生まれのシザは、プリツカー賞、RIBAロイヤル・ゴールド・メダル、高松宮殿下記念世界文化賞など、国際的に多くの賞を受賞しており、空間とボリュームに対する彼のユニークなアプローチは、今日も現代のデザイナーや建築家にインスピレーションを与え続けています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eA curated survey of the legendary Portuguese architect’s most interesting buildings, photographed by Duccio Malagamba\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe renowned Portuguese architect Álvaro Siza is widely regarded as one of the most important architects of the 20th and 21st centuries. Recognized with numerous awards throughout his career, his architectural works are both functional and aesthetically pleasing, characterized by their elegant simplicity, careful attention to detail, and harmonious integration with the surrounding environment.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eConceived together with acclaimed architectural photographer Duccio Malagamba, the book reflects twenty compelling global projects personally selected by Siza, with each feature accompanied by the architect’s inspired hand drawings. The features are additionally illustrated by Malagamba’s photography, reflecting the enduring relationship between the two men for the last three decades.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSiza’s work has had a significant impact on younger generations of architects, and his approach to architecture, rooted in careful observation and a deep understanding of the human experience, has influenced countless designers around the world. Born in Portugal in 1933, Siza has received much international recognition, including the Pritzker Prize, the RIBA Royal Gold Medal, and the Japanese Praemium Imperiale and his unique approach to space and volume continues to inspire contemporary designers and architects today.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis book offers a unique opportunity to look at his work through his selection of 20 projects in Belgium, Brazil, France, Germany, Portugal, South Korea, and Spain, shown through his personal drawings and Duccio Malagamba’s elegant photography.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 312\u003cbr\u003eSize: 320×240 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003e9781838668181\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by \u003cspan\u003ePhaidon\u003c\/span\u003e, 2024\u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"Phaidon","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48670660657449,"sku":null,"price":18700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/Beforeafter_AlvaroSiza.jpg?v=1716895150"},{"product_id":"apartamento-issue-33-spring-summer-2024","title":"APARTAMENTO ISSUE #33 spring\/summer 2024","description":"\u003cp\u003e世界中のアーティストやデザイナー、音楽家、映画監督、スタイリストなどの自宅やアトリエを訪れ、彼らの生活空間に焦点を当てたスペイン発のインテリア雑誌『Apartamento』。第33号は、表紙を飾るアメリカ出身の俳優、ハリ・ネフ（Hari Nef）のニューヨークの自邸での撮影・インタビューほか、ドイツ出身のアーティスト、フランツ・エアハルド・ヴァルター（Franz Erhard Walther）や、建築家レム・コールハースの妻である画家マデロン・ヴリーゼンドープ（Madelon Vriesendorp）、題府基之（Motoyuki Daifu）、ロン・アラッド（Ron Arad）などを特集。今号も充実の一冊です。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e特集：ハリ・ネフ（Hari Nef）、フランツ・エアハルド・ヴァルター（Franz Erhard Walther）、マデロン・ヴリーゼンドープ（Madelon Vriesendorp）、ロイド・カーン（Lloyd Kahn）、エリック・N・マック（Eric N. Mack）、ジョン・ウルドマン（John Wurdeman）、アントニア・マーシュ (Antonia Marsh)、エンリケ・オルベラ（Enrique Olvera）、ロン・アラッド（Ron Arad）、題府基之、ジミー・ライト（Jimmy Wright）、ナジュラ・エル・ゼイン（Najla El Zein）、ハンス・ヴァルター・ミュラー（Hans-Walter Müller）、レイチェル・ロディ（Rachel Roddy）\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eほか寄稿：ペドロ・E・ゲレロ（Pedro E. Guerrero）、イェミシ・アリビサラ（Yemisi Aribisala）、ジェニー・ウー（Jenny Wu）、デイヴィッド・ジルバー（David Zilber）、スティーブン・カース（Stephen Kearse）、ファディ・カッタン（Fadi Kattan）、ロナン・マッケンジー（Ronan Mckenzie）、ソフィー・マッキントッシュ（Sophie Mackintosh）、アマンダ・クレゲル（Amanda Maxwell）、ダイアナ・マコーレー（Diana McCaulay）のエッセイ「Termite Trails’, an essay」\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\" data-mce-style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\"\u003e-\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePages: 384\u003cbr\u003eSize: 170 x 240 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by APARTAMENTO, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48890900316457,"sku":null,"price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/IMG_0107.jpg?v=1719131910"},{"product_id":"ノーツ-第二号-引越し-井上岳-齋藤直紀-石毛健太","title":"ノーツ 第二号 「引越し」 \/ 井上岳＋齋藤直紀＋石毛健太","description":"\u003cp\u003e建築コレクティブGROUPによる、毎号異なるテーマを特集するインタビューを主体とした本\u003ca href=\"https:\/\/aohatabooks.com\/collections\/vendors?q=NOTESEDITION\"\u003e『ノーツ』\u003c\/a\u003e。ノート（note）という言葉には記録や注、覚え書きといった意味がありますが、この本は、様々な技術や知識、経験をもった人々との対話の記録と、それに併走するたくさんの注釈を束ねています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e第二号のテーマは「引越し」（Relocation）。家という物理的な生活環境や家族という共同体の枠組みについて、パンデミックを経た現在の視点から再考します。本書では、家や引越し、家族、日常のことを題材にした作品を多く手がける小説家の滝口悠生、石毛健太、垂水五滴、黒坂祐からなるアート・コレクティブのURG、映像エスノグラファーとして移動する家族の研究を行う大橋香奈、モンゴルを専門に研究する文化人類学者である堀田あゆみらへの長文インタビュー、 濱田晋による写真作品、アウレリ\u0026amp;ジュディッチの未邦訳の論考の翻訳を収録し、個々人の生が抱える私的な問題が土地の文脈や時間の経過と複雑に関係し合う「引越し」を問い直します。発行はノーツエディション、デザインはREFLECTA, Inc.（邵琪+田岡美紗子+岡﨑真理子）。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e井上岳\u003cbr\u003e建築家・博士(工学)。石上純也建築設計事務所を経て、GROUP共同主宰。 Instagram:@inouegaku\u003cbr\u003eGROUP HP:https:\/\/groupatelier.jp\/\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e齋藤直紀 \u003cbr\u003e建築家・博士(工学)。東京大学IFI特任助教。GROUP共同主宰。共編著に『東京の創発的アーバニズム』(学芸出版社, 2022年)、『EMERGENT Tokyo』(ORO Editions, 2022年)がある。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e石毛健太\u003cbr\u003eアーティスト、エキシビジョンメーカー、他副業多数。参加するプロジェクトにUrban Research Group、SCAN THE WORLD、インストールメンツがある。主な個展に「アイオーン」（ BIYONG POINT, 2020 年）、「Chrono Reticulate Sight-System」（A倉庫, 2024 年）、主な企画に「WHITEHOTEL」（ WHITEHOUSE, 2022 年）、「ジャンクス・ポーツ」（ANOMALY, 2023 年）などがある。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 204\u003cbr\u003eSize: 155 x 210 mm\u003cbr\u003ehardcover, ring binding\u003cbr\u003ecolor, risograph print\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublisheds by NOTESEDITION, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"NOTESEDITION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49073581064489,"sku":null,"price":2970.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/f9c4a9c3165a1ef4d0899a8e143141be.jpg?v=1722502169"},{"product_id":"the-lives-of-documents-photography-as-project-1","title":"The Lives of Documents - Photography as Project","description":"\u003cp\u003e自然や建築について議論するために、写真家はどのように写真を選び、並べ、展示するのだろうか。「The Lives of Documents - Photography as Project」は、建築における写真の現代的な役割を検証するカナダ建築センター（CCA）の長期プロジェクトの一環として企画された展覧会であり、写真に組み込まれたドキュメンテーションの考え方について考察を促す作品集。アーティストがリサーチツールとして写真をどのように使っているのか、また、彼らが探究するプロジェクトをどのように捉えているのかを、豊富な図版とインタビュー、論評で記録しています。表紙は潮田登久子。収録作家にホンマタカシ、ジェフ・ウォール、トーマス・シュトゥルート、ソル・ルウィット、ロニ・ホーン、ダン・グラハム、畠山直哉、ミヒャエル・シュミット、アリ・マルコポロスなど。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHow do photographers select, order, and display their images to make visual arguments about built and natural environments? Conceived as part of a long-term project at the CCA to examine the contemporary role of photography in the study and practice of architecture, The Lives of Documents — Photography as Project prompts reflections on the idea of the documentary as an embedded quality of photography. Tracing the research materials, archiving practices, and production processes of diverse authors, photographers Bas Princen and Stefano Graziani highlight a selection of photographic projects that model our visible world by investigating notions of landscape and its destruction, global infrastructure, intimacy and interiority, and conditions of urban and domestic space and life.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis publication follows Princen and Graziani’s travels to understand how artists use photography as a tool for their artistic research and how they conceive of their projects as evolving and expanding explorations. Bringing together studio visit images, artist interviews, and Princen and Graziani’s own reproduction of photographic projects, it emphasizes how photography reveals and expresses lived and built realities in ways that traditional architectural tools fail to represent or communicate.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWith contributions from Stefano Boeri, Guido Guidi, Naoya Hatakeyama, Takashi Homma, Roni Horn, Annette Kelm, Gert Jan Kocken, Aglaia Konrad, Susanne Kriemann, Armin Linke, Ari Marcopoulos, Richard Misrach, Marianne Mueller, Phyllis Lambert, Tokuko Ushioda, and Jeff Wall\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eEditors: Stefano Graziani and Bas Princen\u003cbr\u003eGraphic design: Ponik Peeters\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 320\u003cbr\u003eSize: 240 x 310 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003eEnglish\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by CCA and Walther Koenig, 2024\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"CCA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49087859491113,"sku":null,"price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/The-Lives-of-Documents---Photography-as-Project.jpg?v=1722838072"},{"product_id":"landscape-goes-domestic-ultra-studio","title":"LANDSCAPE GOES DOMESTIC \/ ULTRA STUDIO","description":"\u003cp\u003e建築コレクティブULTRA STUDIOの作品集。2021年に開催されたULTRA STUDIOによる個展『LANDSCAPE GOES DOMESTIC』の内容をまとめたもの。展示されたドローイングや写真に加え、会期の最終日に行われたラファエル・バルボア、橋本圭央とULTRA STUDIOの座談会や、向山による文章「偶然の象徴」も収録。展覧会の紹介にとどまらない、ULTRA STUDIOの思想や作品性を紹介する一冊となっています。書籍のデザインは展示のビジュアルデザインも手掛けたREFLECTA（岡﨑真理子＋田岡美紗子）と小林すみれ。展示内容と呼応する造本により、本自体に作品の一部としての性格が生まれています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 48\u003cbr\u003eSize: 185 x 297 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003eJapanese, English\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by ULTRA STUDIO, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"ULTRA STUDIO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49108253540649,"sku":"","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/LANDSCAPEGOESDOMESTIC_ULTRASTUDIO1.jpg?v=1723208567"},{"product_id":"koolhaas-elements-of-architecture-rem-koolhaas","title":"Elements of Architecture \/ Rem Koolhaas","description":"\u003cp\u003e現代を代表する建築家・レムコールハースとハーバード大学デザイン大学院の共同で制作された作品集『Elements of Architecture』。豊かで複雑な建築のコラージュの断片に焦点を当て、窓、ファサード、バルコニー、廊下、暖炉、階段、エスカレーター、エレベーターほか、建築のディティールを顕微鏡で覗くことで、いつでも、どこでも、どんな建築家でも使える本質的な技術を明らかにしています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e2014年ヴェネチア・アーキテクチャー・ビエンナーレでのコールハースの展覧会から派生し、更新・拡張された本書は、世界中の構造を構成する断片、部品、基礎を理解するための不可欠なツールキットとなっており、当時分冊でつくられた15冊の冊子を一冊にまとめて刊行されたもの。ヴォルフガング・ティルマンスが建築物の形式的・構造的解決策へと目を向けたビデオインスタレーションをまとめたフォトエッセイ『book for architects』、レム・コールハースやAMOの元プリンシパル・ジェフリー・イナバによるエッセイなども収録されています。ブックデザインはイルマ・ボームが手がけており、本書が主題とする巨大な範囲を視覚的・物理的に体現するようにデザインされ、紙と印刷によってコントロールされた裏抜けや、2500ページに及ぶボリューム、特注の背割り製本、本の真ん中に配置された索引など、その稀有なブックデザインも相まって唯一無二のコレクションとなっています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis collection is a look through the microscope at the real fundamentals of our buildings, revealing the essential design techniques used by any architect, anywhere, anytime. Conceived by Rem Koolhaas and made with the Harvard Graduate School of Design, it is a primordial toolkit to understanding how seemingly stable elements are actually in constant evolution.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eElements of Architecture focuses on the fragments of the rich and complex architectural collage. Window, façade, balcony, corridor, fireplace, stair, escalator, elevator and toilet: the book seeks to excavate the micro-narratives of building detail. The result is no single history, but rather the web of origins, contaminations, similarities, and differences in architectural evolution, including the influence of technological advances, climatic adaptation, political calculation, economic contexts, regulatory requirements, and new digital opportunities. It’s a guide that is long overdue—in Koolhaas’s own words, “Never was a book more relevant—at a moment where architecture as we know it is changing beyond recognition.”\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDerived, updated, and expanded from Koolhaas’s exhaustive and much-lauded exhibition at the 2014 Venice Architecture Biennale, this is an essential toolkit to understanding the fundamentals that comprise structure around the globe. Designed by Irma Boom and based on research from the Harvard Graduate School of Design, the 2,600-page monograph contains essays from Rem Koolhaas, Stephan Trueby, James Westcott and Stephan Petermann; interviews with Werner Sobek and Tony Fadell (of Nest); and an exclusive photo essay by Wolfgang Tillmans.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 2528\u003cbr\u003eSize: 200 x 255 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by TASCHEN, 2018\u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"TASCHEN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49143611228457,"sku":"","price":25300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/Koolhaas.ElementsofArchitecture.jpg?v=1724155376"},{"product_id":"donald-judd-spaces","title":"Donald Judd Spaces \/ Donald Judd","description":"\u003cp\u003e*5月入荷・発送予定\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアメリカ人アーティスト、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）の作品集。2020年に初版を「PRESTEL」が刊行、2023年に増補第2版が「ジャッド・ファウンデーション（Judd Foundation）」より刊行された。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、ニューヨークとテキサス州に建つ自身の象徴的とも言えるスペースに関して広く紹介しており、新たな図面の詳細やアーカイブ資料などを収録している。編集は「ジャッド・ファウンデーション」の共同代表を務めるフレイヴィン・ジャッド（Flavin Judd）とレイナー・ジャッド（Rainer Judd）が担当。新たに依頼し撮影された写真とアーカイブ写真、そして作者が書き下ろした5つのエッセイで構成されており、作者の作品群にとって極めて重要な役割を果たす個人的な空間を探求する機会を与える。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、マンハッタンに位置する19世紀の鋳鉄製の建築「101 Spring Street」から、テキサス州西部の山中にある広大な牧場「アヤラ・デ・チナティ（Ayala de Chinati）」まで、財団が管理している現存する居住空間および制作スペースを構成する建物の内部、外装、周辺の土地について詳しく解説する。作者が1968年に自宅兼スタジオとして購入したニューヨークのスプリング・ストリートの角にある5階建ての建物を舞台に、芸術作品や家具、装飾品などを常設展示するコンセプトを生み出し、ここでは建物の歴史的な特質と自身の建築的な革新性をバランスよく融合させたことをうかがうことができる。晩年に作者が購入したテキサス州マーファに建つ建築物は、作者が「統合的な生活」というコンセプトをより大きなスケールで再現したものであると実証している。建物自体は、作者が有するテキサス州マーファラッセル軍事基地内の340エーカーの土地に建つが、同じく所有する町の南に位置する、先述した33,000エーカーの牧場「アヤラ・デ・チナティ」においてはチナティ山脈の範囲にまで及んでいることがわかる。それぞれの空間は、機能とデザインに徹底的にこだわって考えたものであり、作者が自らデザインした家具や実用的な建築物など、これらのスペースには作者の一貫した美学が反映されている。また、作者の空間は建物の保存に対する深い関心と、既存の建築の中に意図的に介入することを強調している。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 432\u003cbr\u003eSize: 222 x 392 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by JUDD FOUNDATION, MACK, 2024(2020)\u003c\/p\u003e","brand":"Judd Foundation","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49170600591657,"sku":"","price":26400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/JuddSpaces.jpg?v=1724581791"},{"product_id":"donald-judd-furniture","title":"Donald Judd Furniture \/ Donald Judd","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）の作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e「椅子における芸術とは、芸術のようであることではなく、ある程度の椅子としての合理性、有用性、スケールである」\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）がデザインを手掛けた家具まとめた作品集。本書では、ソーホーにある自宅兼アトリエであるビル「101 Spring Street」と、テキサス州マーファに建つ自邸のために制作した家具100点以上が掲載されています。これらの家具のドローイングと使われた素材の内訳が収録されるほか、実際に空間に配置された写真やディティールを捉えた写真を中心に400ページ超のボリュームでまとめられています。美術から批評、デザイン、建築まで、現代の様々な領域に多大な影響を与える作者の家具を包括的にまとめた保存版的一冊です。版元はJudd FoundationとMackより。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e品切れとなっていた\u003ca href=\"https:\/\/aohatabooks.com\/products\/donald-judd-spaces\"\u003e『Donald Judd Spaces』\u003c\/a\u003eも本書刊行にあわせて再入荷予定です。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e‘The art of a chair is not its resemblance to art, but is partly its reasonableness, usefulness, and scale as a chair.’\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDonald Judd Furniture includes more than one hundred pieces of his furniture, spanning 1970 to 1991, designed for his living and working spaces at 101 Spring Street and in Presidio County, Texas. The publication introduces readers to Donald Judd’s furniture designs, initiated during the renovation of his home and studio at 101 Spring Street in New York, and as the result of the difficulty Judd later had in furnishing his home in Marfa, Texas. These furniture designs exemplify the directness of form and presence for which his artworks are celebrated, as well as offering a distinct and unadorned functionality. In this book they are presented through detailed drawings and breakdowns of materials, and color photography exploring their placement and function within these spaces. As well as surveying a central aspect of his work, Donald Judd Furniture details Judd’s understanding of functionality, form, and his deep interest in the possibilities of design in a world of mass-production.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 448\u003cbr\u003eSize: 152 x 229 mm\u003cbr\u003ehardcover in a sleeve\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by JUDD FOUNDATION, MACK, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"Judd Foundation","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49170600657193,"sku":null,"price":17600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/judd_futniture_01.jpg?v=1724581422"},{"product_id":"moments-in-architecture-iwan-baan-1","title":"MOMENTS IN ARCHITECTURE \/ Iwan Baan","description":"\u003cp\u003eオランダ人建築フォトグラファー、イワン・バーン（Iwan Baan）の作品集。2024年3月までドイツの「Vitra Design Museum Gallery」で開催された展覧会に伴い刊行されたもの。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eレム・コールハースによるCCTVや、ヘルツォーク＆ド・ムーロンによる北京国家体育場ほか、ザハ・ハディッド、SANAA、アンサンブル・スタジオ、石上純也、フランク・ゲーリー、デイヴィッド・チッパーフィールドなど、世界中の名だたる現代建築家の建物から伝統建築までを描いています。また作者は、建築のみならず、施工の過程を内部から捉えた写真や、その場で営まれる人々の暮らしなど、計画から施工、竣工、その後まで、建築が最も生き生きとする瞬間を記録しています。深く人間的で詩的な作者の視点によって、2005年から現在までに捉えられた建築の象徴的な瞬間をまとめた作品集。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 608\u003cbr\u003eSize: \u003cspan\u003e170 x 237\u003c\/span\u003e mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003e\u003cspan\u003ecolor, black and white\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by VITRA DESIGN MUSEUM, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Vitra Design Museum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49210195018025,"sku":null,"price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/MOMENTSINARCHITECTURE_IwanBaan1.jpg?v=1725356357"},{"product_id":"habitat-lina-bo-bardi-1","title":"HABITAT \/ Lina Bo Bardi","description":"\u003cp\u003eブラジルの歴史において最も重要な建築家の一人であるイタリア人建築家、リナ・ボ・バルディ（Lina Bo Bardi）の作品集。2019年に「サンパウロ美術館（Museu de Arte de São Paulo）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本書は作者の美学と芸術、建築に対するアプローチを見ることができ、多方面に渡る作品を豊富な図版で紹介している。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eローマで建築家ジオ・ポンティ（Gio Ponti）のもと、モダニズム建築家としてキャリアをスタートさせた作者は、第二次世界大戦終了後、サンパウロ美術館の立ち上げのため招致されたアートディーラーの夫ピエトロ・マリア・バルディ（Pietro Maria Bardi）とともにブラジルに移住。ブラジルの文化に根ざしたモダニズム建築を発表した。1951年、最初の作品である自邸「ガラスの家（Casa de Vidro）」を設計し、夫とともに生涯を過ごすこととなる。また、1968年に開館したラテンアメリカのモダニズム建築の代表作である「サンパウロ美術館」の設計も担当。この美術館のために、ガラス製イーゼルの展示システムを作り上げ、現在でもその先鋭性は失われていない。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書では、作者の展示デザイン、キュレーション・プロジェクト、執筆活動がどのように空間デザインに影響を与えたかを包括的に明らかにする。そのキャリアと作品に関するエッセイが、デザインスケッチや著作などのアーカイブ資料とともに掲載されており、クリエイターであり先鋭的な思想家でもある作者のプロジェクトの背景にある概念的・物質的プロセスについて新しい洞察を与える。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLina Bo Bardi is regarded as one of the most important architects in Brazil’s history. Beginning her career as a Modernist architect in Rome, Bo Bardi and her husband emigrated to Brazil following the end of WWII. Bo Bardi quickly resumed her practice in her adopted homeland with architecture that was both modern and firmly rooted in the culture of Brazil. In 1951 she designed “Casa de Vidro” (“Glass House”), her first built work, where she and her husband would live for the rest of their lives. She also designed the Museu de Arte de São Paulo (São Paulo Art Museum), a landmark of Latin American modernist architecture which opened in 1968. It was for this museum she created the iconic glass easel display system, which remains radical to date. This book presents a comprehensive record of Bo Bardi’s overarching approach to art and architecture and shows how her exhibition designs, curatorial projects, and writing informed her spatial designs. Essays on Bo Bardi’s life and work accompany archival material such as design sketches and writings by the artist, giving new insight into the conceptual and material processes behind this radical thinker and creator’s projects.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 352\u003cbr\u003eSize: 205x280 mm\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003ehardcover\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by PRESTEL PUBLISHING, 2020\u003c\/p\u003e","brand":"PRESTEL PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49378704884009,"sku":null,"price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/habitat.jpg?v=1728985693"},{"product_id":"le-corbusier-album-punjab-1951-le-corbusier-pierre-jeanneret-maristella-casciato-1","title":"LE CORBUSIER ALBUM PUNJAB, 1951 \/ Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Maristella Casciato","description":"\u003cp\u003eスイス人建築家、ル・コルビュジエ（Le Corbusier）とピエール・ジャンヌレ（Pierre Jeanneret）の2冊組の作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eインド北西部、パンジャーブ州およびハリヤーナー州の州都であるチャンディーガルは、モダニズム建築の理念を都市の規模で構築した場所として、またユネスコ世界遺産として国際的に知られており、ル・コルビュジエとピエール・ジャンヌレはその重要なプロジェクトに深く関わっています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e1冊目は、ル・コルビュジエがこのチャンディーガルのプロジェクトのためにインドのパンジャーブ州を2週間訪れた時に持っていたノートを再現したもの。メモやスケッチ、個人的な考察、ミーティング中に細かく練られた覚書や図式化された解決案が記されています。裏写りやインクの染みのようなものまで忠実に再現され、ル・コルビュジエのノートを忠実に再現したレプリカのような一冊です。2冊目ではピエール・ジャンヌレがこの初期調査の期間に撮影したこれまで未公開であった写真群を掲載。本書の著者である建築史家のマリステッラ・カシアト（Maristella Casciato）のエッセイでは、ノートにまとめられた多様な内容を追いながら、新たな首都が構築されていった当時の物語を振り返ります。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis reprint of the notebook “Album Punjab Simla. Chandigarh, Mars 1951” kept by Le Corbusier (1887–1965) during his two-week visit to the Indian state of Punjab in anticipation of the planning and construction of Chandigarh, presents his written or sketched memos and personal reflections as well as notes and schematic solutions elaborated during meetings. The Album Punjab constitutes a primary source for reconstructing the topics addressed by the small team of architects and governmental officials who in only a few days developed the outlines of the Chandigarh plan.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe spiralbound notebook facsimile is accompanied by a paperback volume featuring previously unpublished photographs taken by Le Corbusier’s cousin Pierre Jeanneret (1896–1967) during this early expedition. The detailed commentary by architectural historian Maristella Casciato reflects upon the variety of topics assembled in the notebook and retraces the story of these days in which the new capital city was planned. By transcribing Le Corbusier’s famously illegible handwriting in French and English, this book allows its readers complete access to the architect’s mind.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 64 + 144\u003cbr\u003eSize: 234 x 315 mm each\u003cbr\u003e2 softcovers in a slipcase\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by LARS MÜLLER PUBLISHERS, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"LARS MÜLLER PUBLISHERS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49411906109737,"sku":"","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/LECORBUSIERALBUMPUNJAB_1951.jpg?v=1730208831"},{"product_id":"wild-windows","title":"WILD WINDOWS: INSTITUTO BARDI | CASA DE VIDRO \/ Veronika Kellndorfer","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、ヴェロニカ・ケルンドルファー（Veronika Kellndorfer）の作品集。レヴィ＝ストロースの名著『野生の思考』と自身が20年以上続ける研究「窓の絵画的意義」よりタイトルがつけられた本作は、イタリア人建築家、リナ・ボ・バルディ（Lina Bo Bardi）の建築や、ブラジル人造園家、デザイナーのロバート・ブール・マルクス（Roberto Burle Marx）が作った風景を、自身の展覧会を交えながら現在の視点から捉え直したもの。本書では、植物、建築、公共空間の類似性を反映したイメージ群と、自身のアーカイブから抽出した素材とを組み合わせて構成し、ブラジルのモダニズムに関する近年の研究をまとめています。リナ・ボ・バルディやブール・マルクスによる建築やランドスケープ、そしてそれらに言及した自身の展覧会を記録した膨大な写真を併置しながら、身体的にそれらを読むことができる優れたブックデザインも際立つ一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eWild Windows is a recent study of Brazilian modernism, published in the form of an artist's book. The title refers to Claude Lévi-Strauss' The Savage Mind and to Veronika Kellndorfer's more than twenty years of research on the pictorial significance of windows. Kellndorfer sees the buildings of Lina Bo Bardi and the landscapes of Burle Marx as fragile monuments commemorating a past spirit of optimism that now seems to have anticipated the dawn of a new era. A large portion of the book is devoted to her photographic sources: a series of images reflecting analogies of plants, architecture, and public space. She interweaves these images with views from her exhibitions on Lina Bo Bardi and Burle Marx, in which she combines the specificity of the individual spaces with material distilled from her archive. Cities never belong just to people. Wild Windows reflects on architectures of cohabitation and on the current discourse on vernacular ways of approaching plants and resources.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 164\u003cbr\u003eSize: \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e230 x 320 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003epublished by SPECTOR BOOKS, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Spector Books","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49439082053929,"sku":null,"price":9020.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/wildwindows.jpg?v=1730209412"},{"product_id":"productora-some-realized-projects-2014-22-productora","title":"PRODUCTORA - Some Realized Projects 2014-22 \/ PRODUCTORA","description":"\u003cp\u003eメキシコを拠点とする建築スタジオ「PRODUCTORA」の作品集。機能的で、楽しげで、刺激的で、絶えず変化する流行にも耐えうる建物をつくりながら、スタジオの根底にある知的好奇心を携え活動を続けています。本書では、住宅や美術館、病院、公共建築など、2014年から2022年にかけて行われたプロジェクトを通して、精密な幾何学への関心と、時代を超えた素材と空間解像度の探求を特徴とする彼らの作品をまとめています。ブックデザインはロジャー・ヴィレムス（Roger Willems）。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBased in Mexico City, the architectural studio PRODUCTORA was founded by Abel Perles, Carlos Bedoya, Victor Jaime, and Wonne Ickx. In creating buildings that function, delight, stimulate, and are likely to withstand tectonic fads as well as telluric shifts, the studio never compromises the restless intellectual curiosity at its heart. Both a compendium and a promise of this singularity, this book surveys the groundwork PRODUCTORA has set down over a decade of activity, presaging what is possible as these foundations continue to be built upon. Their work is distinguished by an interest in precise geometries and the search for timeless material and spatial resolutions. Design: Roger Willems. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 216\u003cbr\u003eSize: 210 × 280 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eISBN 9789464460445\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by Roma Publicaitons, 2023\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Roma Publications","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49480901427497,"sku":"","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/productora.jpg?v=1732527033"},{"product_id":"alvaro-siza-incomplete-work","title":"Incomplete Work \/ Álvaro Siza","description":"\u003cp\u003eポルトガルを代表する建築家、アルヴァロ・シザ（Álvaro Siza）による、実現することのなかった未完のプロジェクト178点を一冊にまとめた作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、シザのスタジオに保存されているスケッチや図面、模型、テキストなどをまとめた未完のプロジェクト集と、シザや彼の作品をよく知る人々によって書かれたエッセイをまとめたテキスト集の2冊組で構成されています。プロジェクト集では、邸宅や集合住宅、大学、礼拝堂、美術館、公園など、1951年から2021年までの未完のプロジェクトが時系列で収録され、各プロジェクトにはスタジオでの記録、整理のために付与されているコード番号が記載されています。テキスト集では、建築の文脈からシザという存在について言及したエッセイのほか、シザ自身によるテキストでは、彼が選んだ未完のプロジェクトに関するものだけでなく、建築家、デザイナー、さらには彫刻家としての作者のビジョンやアプローチも浮き彫りにしています。テキストはポルトガル語・英語。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e「建築家としての情熱や喜びから生まれたものを形にしないのは難しいことです。しかし、それは『無駄な時間』ではありません。最終的に放棄されたプロジェクトに費やされた時間も、『無駄な時間』ではないのです。それぞれのプロジェクトでは何かが発見され、あるいは創造され、その断片的な成果が次のプロジェクトに生かされていきます。建築家のプロジェクトには、たとえ内容が全く異なっていても、常に予測できない形での対話が存在し、それが次に進む力となるのです。そして、その悲しみは次第に解けていきます。」ーアルヴァロ・シザ（Álvaro Siza）\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eThe unfinished works in this publication examine the eternal legacy of thought, conception and architecture, and the ideas modelled by its power and poetic expression. The texts that make up the first volume were written by people familiar with Siza and his work, adding memory, analysis and lived experience. The selection of texts by the architect himself highlights not only his chosen unfinished projects, but also his vision and approach as an architect, designer and even sculptor.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e‘It is hard to not build what was done out of the enthusiasm and the enjoyment of being an architect. But that is not \"wasted time\". The hours spent in projects that end up being abandoned are not \"wasted time\". In each one something is discovered or invented of which the fragmented remains move through the construction of the others. There is a permanent and unpredicted dialogue between the projects of each architect, even if very different, nurturing the ones that follow. And the sorrow comes undone.’ ーÁlvaro Siza\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 674\u003cbr\u003eSize: 230 x 170 mm\u003cbr\u003e2 hardcover books in a slipcase\u003cbr\u003eb\u0026amp;w, color\u003cbr\u003ePortuguese, English\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by A+A Books, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"A+A Books","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49525418950953,"sku":"","price":20900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/IncompleteWork_AlvaroSiza.jpg?v=1733737052"},{"product_id":"the-new-era-magazine-7","title":"The New Era Magazine 5","description":"\u003cp\u003eインテリア、建築、デザイン、クラフトをテーマに、洗練されたデザインで年2回発行される北欧発の雑誌『The New Era Magazine』。第5号では、北欧デザインの伝統に敬意を表し、この地域の象徴的な住まいを訪れます。その中には、ユルヨ・クッカプーロ（Yrjö Kukkapuro）やブルーノ・マットソン（Bruno Mathsson）といったデザインの巨匠たちの住まいも含まれています。また、ロンドンにあるインテリアデザイナー、ベアタ・ヘウマン（Beata Heuman）の個性豊かな自宅でのインタビューや、ヨナス・ボリン（Jonas Bohlin）の自宅兼アトリエでのひとときを収録するほか、今注目されている新進作家やギャラリーの紹介も掲載されています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe New Era Magazine brings together interiors, architecture, design and craft in a elegantly designed bi annual publication. In every issue readers meet some of the most interesting spaces, people and topics of this moment in time. ISSUE 05 pays tribute to the Nordic design heritage, with visits to some of the most iconic homes in the region, including those of masters such as Yrjö Kukkapuro and Bruno Mathsson. We also get to sit down with interior designer Beata Heuman in her eclectic London home, and spend time with the master Jonas Bohlin in his combined home and atelier. Elsewhere in the issue highlights on some of the new artists and galleries paving the way right now.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 228\u003cbr\u003eSize: 220 x 300 mm\u003cbr\u003epb\u003cbr\u003ecolor, b\u0026amp;w\u003cbr\u003eEnglish\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eNew Era Magazine\u003c\/span\u003e, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"New Era Magazine","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49540585685289,"sku":null,"price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/TheNewEraMagazine5.jpg?v=1734004780"},{"product_id":"noguchis-garden-landscape-as-sculpture-isamu-noguchi-1","title":"NOGUCHI'S GARDEN LANDSCAPE AS SCULPTURE \/ Isamu Noguchi","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eロサンゼルス生まれの日系アメリカ人アーティスト、イサム・ノグチ（Isamu Noguchi）の作品集。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e作者の持つ関心と生んできた作品を考察すると、彫刻がその芸術活動の中心であることに変わりはないが、家具や照明、舞台芸術、広場、中庭、そして庭園など、非常に幅広い分野に及んでいる。その美的な特質が、単純な必要性への対応から生み出されるものを十分に超越するのであれば、デザイン、工芸、いわゆる美術を区別することなく、すべてを芸術とみなすことができると作者は考えていた。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e作者が創作した庭園には20世紀を代表する景観デザインがいくつもあり、全世界から広く賞賛されているが、それでも通常の造園建築の実践からはかけ離れた場所にいる。芸術家として、客観的な分析よりも研究が支えてきた直感に頼り、空間を主要な手段とする「彫刻」として風景を形作った。ランドスケープ・デザインは空間芸術であり、形式芸術であった。初期の環境計画から晩年の作品に至るまで、我々を驚かせる場所を構想し、見事に造設してきた。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e本書は包括的に作者の庭園作品をまとめており、その内容や構成は多様で、数章にわたり地形、水、中庭などのテーマをまとめて扱っている。「イサム・ノグチ財団（Isamu Noguchi Foundation）」と「イサム・ノグチ庭園美術館（The Isamu Noguchi Garden Museum）」のアーカイブから抜粋した図版と自身の写真とともに「ノグチの庭園」の物語が展開される本書は、造園、美術史、庭園デザイン、そして広く美術に興味を持つ人々を納得させる一冊であろう。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eWhile sculpture remained central to his artistic practice, Isamu Noguchi’s (1904–1988) interests and production spanned an exceptionally broad terrain that included furniture and lamps, stage sets for dance, plazas, courtyards—and gardens. Noguchi made no distinction between design, craft, and the so-called fine arts: in his view all of these could all be considered art should their aesthetic qualities sufficiently transcend those generated by the simple address of need.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eAlthough his gardens include several of the twentieth century’s most iconic landscape designs and have received almost universal praise, Noguchi nonetheless occupies a place removed from the normal practice of landscape architecture. As an artist he relied more on intuition—bolstered by focused study where required—than on objective analysis, and he shaped his landscapes as sculpture, with space as their primary vehicle. To Noguchi landscape design was a spatial and formal art, and from his earliest environmental projects to the works of his later maturity, he succeeded in conceiving and constructing a series of remarkable places.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eIn this comprehensive and richly illustrated study of Noguchi's gardens, noted landscape historian Marc Treib describes and critiques projects that date from his early unrealized projects for playgrounds and monuments to a large park in Sapporo, Japan, whose construction was completed only posthumously. The story begins with the discussion of Noguchi sculpture that relate in some way to actual landscapes, then moves to the dance set designs for Martha Graham, finally entering the realm of actual landscapes with his gardens for the Reader's Digest offices in Tokyo and UNESCO House in Paris. Many more projects followed in the United States, Japan, and Israel.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eVarying in their content and structure, several chapters collectively treat subjects such as landform, water, and the courtyard, while others focus on the major gardens monographically. Accompanied by stunning images from the archives of Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum archives and the author's own photographs, the story of ‘Noguchi's Gardens: Landscape as Sculpture’ will reward those interested in landscape architecture, art history, garden design, and art more broadly.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 304\u003cbr\u003eSize: 254 x 254 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by ORO EDITIONS, 2024\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ORO EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49570398372137,"sku":null,"price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/NOGUCHISGARDEN.jpg?v=1735025421"},{"product_id":"as-little-design-as-possible-dieter-rams","title":"As Little Design as Possible \/ Dieter Rams","description":"\u003cp\u003e20世紀を代表するプロダクトデザイナーの一人、ディーター・ラムス（Dieter Rams）に関する決定版のモノグラフ。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eディーター・ラムスは、1961年から1995年にかけてブラウン社のデザイン部門を率い、20世紀を象徴する数々のプロダクトを生み出しました。その生涯と業績は、人々の暮らし方、そしてより良い暮らしを実現する方法についての彼の思索と深く結びついています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e彼が1960年代に設計した製品は、今日でも生産・販売され続けており、彼の「良いデザイン」に関する理念は、デザイナーや消費者に変わらぬ影響を与えています。本書は、アップルの元チーフデザインオフィサー、ジョナサン（ジョニー）・アイブによる序文とともに再版され、新たな美しいカバーで登場しました。ラムスの人生と業績のみならず、彼のデザイン哲学にも深く迫る包括的な一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書には、ラムスの生涯、彼が活躍した知的背景、ブラウンやヴィツゥでのデザイン活動、そして「良いデザイン」の提唱者として展開した思想や講演に関する詳細なテキストが収められています。また、完成品や試作品のスケッチや写真が、彼のデザインプロセスを垣間見せてくれます。さらに、豊富なアーカイブ資料が彼の生涯と業績を包括的に伝えるとともに、ディーター・ラムスの自邸やブラウンのアーカイブを特別に撮影した写真が、彼のデザインの全貌に触れる貴重な機会を提供しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eブラウンやヴィツゥのために手がけた数百点に及ぶ象徴的なプロダクトで知られるラムス。本書には、彼の唯一の建築作品や「持続可能な暮らし」に関する思想が具現化された「良いデザインの十原則」も収録されています。このモノグラフは、ラムスの世界を余すところなく描き出す決定版の一冊です。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe definitive monograph on Dieter Rams, one of the most influential product designers of the twentieth century. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAs head of design at Braun from 1961 to 1995, Dieter Rams created some of the twentieth century’s most iconic objects. Rams’s life and work are indelibly linked to his thoughts about how people live, and how they can live better.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eProducts he designed in the 1960s are still produced and sold today, and his ideas on good design continue to inspire designers and consumers. Now available again with a stunning new cover, this comprehensive monograph, with a foreword by Jonathan (Jony) Ive, former chief design officer of Apple, explores not only Rams’s life and work, but also his design philosophy.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe book includes detailed text covering Rams’s life, the intellectual context in which he worked, his designs for Braun and Vitsœ, and the ideas and lectures he developed as an advocate for good design. Sketches and photographs of finished products and prototypes provide insight into Rams’s design process, diverse archival material gives a complete picture of his life and work, and specially commissioned photographs of Dieter Rams’s house and the Braun archive provide an exclusive glimpse of the world’s most complete collection of Rams’s designs.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eKnown for the hundreds of iconic products he designed for Braun and Vitsœ, this comprehensive and exhaustive monograph also features Rams's only architectural work and the ideas about living sustainably embodied in his ‘ten principles’.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 400\u003cbr\u003eSize: 270 × 205 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003e9781838669096\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Phaidon, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"Phaidon","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49578478305577,"sku":"","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/aslittledesignaspossible.jpg?v=1735441105"},{"product_id":"les-tables-de-maia-et-pierre-paulin","title":"LES TABLES DE MAÏA ET PIERRE PAULIN","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eフランス人インテリアデザイナー、ピエール・ポラン（Pierre Paulin）とその妻マイア・ポラン（Maïa Paulin）の作品集。2024年10月から12月までパリの「Paulin, Paulin Paulin」で開催された展覧会に伴い刊行された。本展では、1950年代から1990年代までの作品が幅広く紹介されている。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e「\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eリボンチェア\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e（\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eRibbon Chair\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e）」、モジュールソファ「\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eデューン\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e（\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eDune\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e）」、ジョルジュ・ポンピドゥー大統領時代のエリゼ宮内にある大統領私邸の応接室「\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eエリゼ・サロン\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e（\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eÉlysée Salon\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e）」などを筆頭とした代表的なデザインモデルを通じて、その時代を象徴する先見性の高い仕事を成した作者を紹介する必要は最早ないかもしれないが、妻であり共同経営者であったマイアの役割は注目すべきものである。対照的でありながらも補完し合う個性の同居による協力関係は、夫婦の歩んだ旅に不可欠であった。ピエールが身体にフィットするような独創的で座り心地の良いシートを創る一方で、マイアは人間関係の面で物事を「和らげ」、時に美味しい食事を囲みながら出会いを友好的に築き、仕事の機会を創造した。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e仕事机から食卓へ、あるいはその逆へ。この2つの柱が常にポーラン家の日常を構成していた。コーヒーテーブル、机の引き出しを外して作ったダイニングテーブル、彫刻的なもの、素朴なもの、はたまた高級木材で作られたもの。テーブルには、需要に基づいたピエールの旅路が強く刻まれているが、同時に自身の個人的な進化でもあり、「\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eカテドラルテーブル\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e（\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eCathédrale\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e）」、モジュール式シェルフ「\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eエリゼ\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e（\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eElysée\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e）」、コーヒーテーブル「\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eロザース\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e（\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eRosace\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e）」のような伝説的なデザインが誕生した。ピエールとマイアのテーブルは、描かれたものであれ、セットされたものであれ、星型であれ、カジュアルなものであれ、いずれも人々を集めて繋がりを生み出すために作られ、コミュニティの感覚を育んだ。そのひとつひとつが、どの者へも共通して向けられた配慮、実行に伴う厳格さ、それでいて磨き過ぎることへの拒絶、そして職人技の本質的な知見を物語る。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e本書は、ポーラン夫妻の親密な肖像を描く。マイヤのレシピや夫妻が企画したディナーの写真が、ピエールのスケッチや作品の写真と絡み合い、二人の人生の道筋と創作の道程が、創作といかに切り離せないものであったかをさりげなく強調する。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e本書は、デザインやインテリアの愛好家だけでなく、ライフスタイルや食に関心のある者へも響く一冊であろう。カバーはポスターとしても楽しめる仕様となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eWhile it is not longer necessary to introduce the French designer Pierre Paulin (1927-2009), whose visionary work marked his era through iconic models such as the Ribbon chair, the Dune module, or the design of the Élysée Salon during Georges Pompidou’s presidency, the role of his wife and associate Maïa deserved to be highlighted. The alliance of the contrasting yet complementary personalities was essential to the Paulin journey. While the designer created seats so ingenious and comfortable that they seemed molded to the body, Maïa ‘softened’ things on the relational front, creating friendly encounters and professional opportunities, often around a good meal.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFrom the worktable to the dining table and vice versa, these two poles always structured the Paulin’s daily life. Coffee tables, desks from which drawers were removed to transform them into dining tables, sculptural, rustic, or made of precious wood. Tables punctuated the creator’s journey based on demand, but also his personal evolution – creating legendary models such as the Cathédrale, Élysée, or Rosace designs. Whether drawn or set, star-shaped or casual, the tables of Pierre and Maïa were made to bring people together and create connections, fostering a sense of community. Each one speaks of the same attention to others, of rigor in execution but with a rejection of over-polish and an inherent knowledge of craftmanship.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis book illustrates an intimate portrait of Pierre and Maïa Paulin: Maïa’s recipes, photos of dinners organized by the couple are intertwined with Pierre’s sketches and photos of his creations, subtly emphasizing how their life journey and creative path were inseparable for the designer.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes Tables de Maïa et Pierre Paulin will appeal to both design and interior enthusiasts, as well as those interested in lifestyle and gastronomy. The book’s release coincides with the exhibition Les Tables de Pierre Paulin, which will showcase a wide selection of his works from the 1950s to the 1990s.\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 156\u003cbr\u003eSize: 320 x 240 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by PAULIN PAULIN PAULIN, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"PAULIN PAULIN PAULIN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49652814741801,"sku":null,"price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/LESTABLESDEMAIAETPIERREPAULIN.jpg?v=1737104706"},{"product_id":"cross-cultural-chairs-8-chairs-from-8-countries-diversifying-modern-seating-matteo-guarnaccia","title":"CROSS CULTURAL CHAIRS: 8 CHAIRS FROM 8 COUNTRIES: DIVERSIFYING MODERN SEATING \/ Matteo Guarnaccia","description":"\u003cp\u003eシチリア島出身のデザイナー、マッテオ・グアルナッチャ（Matteo Guarnaccia）の作品集。作者は、自身のプロジェクト「CROSS CULTURAL CHAIRS」を通して、椅子によって社会的かつ文化的な差異を分析しより深く理解すべく、8カ月の間にブラジル、メキシコ、日本、インドネシア、中国、インド、ロシア、ナイジェリアを訪れています。そこでフィールド・リサーチを行い、それぞれの土地の椅子を観察し、現地のデザインスタジオや職人たちとの対話を通じて協力しながら、その地域の文化的背景を1脚の椅子で表現。本書では、路上やオフィス、住宅、店舗、工場、河川敷など、訪れた8ヶ国の様々なエリアでのリサーチの記録と、それらを通して新たに制作された8脚の椅子がまとめられています。人はどのように座り、座られるのか、椅子のデザインの人類学が記された一冊です。序文では、フォルマファンタズマ（Formafantasma）らのインタビューを収録。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e序文：フォルマファンタズマ（Formafantasma）、アルド・チビチ（Aldo Cibic）\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e寄稿：トゥーリオ・アマランテ（Tulio Amarante）、アナ・エレナ・マレット（Ana Elena Mallet）、猪飼尚司、アヨス・プルウォアジ（Ayos Purwoaji）、シェル・スー（Shell Xu）、スパンダナ・ゴパール（Spandana Gopal）、アレクサンドラ・サンコヴァ（Alexandra Sankova）、ウェイル・ラワル（Wale Lawal）\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDiversifying Modern Seating. How people sit and are seated: an anthropology of chair design.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe anatomy of our bodies invites sitting; but do we design seats in the same way? Has our means of sitting been colonized by modern design? And how is the culturally various act of sitting itself reflected in this functional commodity?\u003cbr\u003eMatteo Guarnaccia’s (born 1954)Cross Cultural Chairsis a research-based design project “about the cultural context of furniture, understanding how globalization is shaping design around the world,” he writes. “It’s an exploration that lies between social and technical aspects of chairs.” To execute this project, Guarnaccia visited eight different countries to conduct research and talk to local design studios, ultimately collaborating with them to portray each culture in the form of a chair.Cross Cultural Chairsplumbs the hidden depths of furniture design and the ways in which cultural norms assert themselves through functional commodities, opening up a conversation about identity, community and expression through chairs.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIntroduction by FormaFantasma and Aldo Cibic followed by contributed texts by Tulio Amarante, Ana Elena Mallet, Hisashi Ikai, Ayos Purwoaji, Shell Xu, Spandana Gopal, Alexandra Sankova and Wale Lawal.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 388\u003cbr\u003eSize: 170 x 240 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003elimited edition of 1,500 copies\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSECOND EDITION\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by SET MARGINS', 2023 (2021)\u003c\/p\u003e","brand":"Set Margins'","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49921097236777,"sku":"","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/crossculturalchairs.jpg?v=1740919620"},{"product_id":"2g-93-studio-other-spaces-olafur-eliasson-sebastian-behmann","title":"2G 93: STUDIO OTHER SPACES: OLAFUR ELIASSON \u0026 SEBASTIAN BEHMANN","description":"\u003cp\u003eスペイン発の建築雑誌「2G Magazine」第93号。今号は、オラファー・エリアソンとセバスチャン・ベーマンによって設立されたスタジオ「Studio Other Spaces（SOS）」に関する初のモノグラフとして刊行されました。本書では、彼らが共同で手がけたプロジェクトに加え、「Studio Olafur Eliasson」による建築作品も紹介されています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eStudio Other Spaces（SOS）は、建築と芸術を横断的かつ実験的に結びつける建築プロジェクトやパブリックアートを手がけています。彼らはそれぞれのプロジェクトを「場所」や「人と空間の関係性」といったテーマに深く入り込むための媒体、あるいはツールとして位置づけています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書では、アイスランドの首都レイキャビクに建つ「ハルパ・レイキャヴィク・コンサートホール＆会議センター（Harpa Concert Hall and Conference Centre in Reykjavik）」の結晶構造で作られたファサード（「ヘニング・ラーセン・アーキテクツ（Henning Larsen Architects）」との共同設計）、デンマークの「アロス・オーフス美術館（ARoS Aarhus Kunstmuseum）」の屋上に建てられた虹色の回廊「Your rainbow panorama」、さらに近年の共同プロジェクトであるエチオピアの首都アジスアベバの「メレス・ゼナウィ記念公園（Meles Zenawi Memorial Park）」、カリフォルニア州ソノマのワイナリーである「ドナム・エステート（Donum Estate）」がワインの試飲のための空間としてオープンした「バーティカル・パノラマ・パビリオン（Vertical Panorama Pavilion）」、デンマーク・コペンハーゲンの運河に建造した「円形の橋」の意を持つ「サークル・ブリッジ（Cirkelbroen \u0026amp; Circle Bridge）」などが紹介されています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eThe first monograph on the SOS studio founded by Olafur Eliasson and Sebastian Behmann presents some of their joint works as well as architectural works by Studio Olafur Eliasson.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eStudio Other Spaces (SOS) connects architecture and art through interdisciplinary and experimental building projects and artworks for public space. They use each project as a vehicle and tool to dive into topics, into locations, and into the intricate relationships between people and spaces. Featured works include the façades of the Harpa Concert Hall and Conference Centre in Reykjavik (Iceland, in collaboration with Henning Larsen Architects), the famous installation \"\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eYour rainbow panorama\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\" at the Aarhus Kunstmuseum, Denmark, as well as recent joint works such as the Meles Zenawi Memorial Park in Addis Abeba (Ethiopia), the \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eVertical Panorama Pavilion\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e in Sonoma (California) and the \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eCirkelbroen\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e in Copenhagen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 160\u003cbr\u003eSize: 230 x 300 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003epublished by WALTHER KÖNIG, 2025\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50259977208105,"sku":null,"price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/2g93.jpg?v=1745834370"},{"product_id":"francois-halard-2-a-visual-diary-by-francois-halard","title":"FRANÇOIS HALARD 2: A VISUAL DIARY \/ Francois Halard","description":"\u003cp\u003eフランス人フォトグラファー、フランソワ・アラール（François Halard）の作品集。作者は過去40年間、アートやインテリアデザイン、カルチャーの世界において最も特別な視点を持って活動してきた人物と言える。「ヴォーグ（Vogue）」誌や「ワールド・オブ・インテリア（World of Interiors）」誌のフォトグラファーとしてその地位を築き上げ、世界で最も愛されている数々の空間を捉えてきた。その多くは、「RIZZOLI」より刊行された作品集に収められており、本書はその第二弾である。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書では、著名なデザイナー、アーティスト、流行を生み出してきた人々にまつわる見事なインテリア空間を撮影した、作者の豊かな作品群を紹介している。作者随一のレトロな優美さ、ボヘミアン的自由奔放さ、親しみやすいパーソナルさを備えた写真の感受性は紛れもない唯一無二のものである。一つ一つのイメージにはデザイン史の深い知識が染みわたっており、それぞれの物語は一巨匠の視点が与える教訓となっている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は荘厳なインテリア、アーティストのアトリエ、建築的聖地などの素晴らしい写真を収めた前作の続編である。それぞれの物語の題材は単なる写真家の個人的な情熱というだけでなく、デザイン史において必要不可欠な一つの章でもある。アメリカ人建築家であるフィリップ・ジョンソン（Philip Johnson）とアメリカ人ファッションデザイナーであるチャーリー・ジェームズ（Charles James）の「デ・メニル邸（de Menil House）」、イタリア人画家、ジョルジョ・モランディ（Giorgio Morandi）のアトリエ、アメリカ人ファッションデザイナー、リック・オウエンス（Rick Owens）の先鋭的なパリのアパートメント、アイルランド出身のプロダクトデザイナーであり建築家のアイリーン・グレイ（Eileen Gray）のフランス海岸にある近年修復されたモダニズム建築の邸宅、ベルギー人ファッションデザイナー、ドリス・ヴァン・ノッテン（Dris Van Noten）の緑豊かな庭と自邸、フランス人アーティスト、ルイーズ・ブルジョワ（Louise Bourgeois）のニューヨークにある家とスタジオなどが挙げられる。第一作目がそうであったように、全てのインテリア、華やかさ、スタイルを愛するものにとって垂涎の的となる、必携のビジュアル・リソースとなることだろう。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis volume presents the famed photographer's newest lush images of the stunning interiors of acclaimed designers, artists, and tastemakers.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFrancois Halard's unique photographic sensibility--old-world elegant and bohemian, accessible and personal--is unmistakable. Each image is imbued with the intimate knowledge of design history, each story a lesson in a master's point of view.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis book is a continuation of his last volume of gorgeous photography of grand interiors, artists' studios, and architectural pilgrimage sites. Each story's subject matter is not just a personal passion of the photographer, but also an indispensable chapter in design history: Philip Johnson and Charles James's de Menil House, Giorgio Morandi's studio, Rick Owens's radical Paris apartment, Eileen Gray's recently restored modernist home on the French coast, Dries Van Noten's verdant garden and home, the home and studio of Louise Bourgeois in New York, and many more.\u003cbr\u003eLike his first book, Francois Halard: A Photographic Life will be a coveted, indispensable must-have visual resource for all lovers of interiors, glamour, and style.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 492\u003cbr\u003eSize: 235 x 330 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003epublished by RIZZOLI,\u003c\/span\u003e 2019\u003c\/p\u003e","brand":"RIZZOLI","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50283066163497,"sku":null,"price":22000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/AVISUALDIARYbyFrancoisHalard.jpg?v=1746264569"},{"product_id":"street-with-human","title":"Street with human shadows \/ Kazuo Shinohara","description":"\u003cp\u003e篠原一男　通りと人影／作品選（2007）\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e建築家・篠原一男の代表作などを収めた作品選と、世界各地を旅した際にカメラに収めた町並みや人々の写真をまとめた「通りと人影」の2冊セット。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e作品選では、篠原一男の代表作「白い家」や「から傘の家」「土間の家」など、選ばれた各建築に関する著者自身によるテキストとともに、写真と図面が掲載されています。もう一冊、『通りと人影』では、著者の70年代、80年代にかけてのヨーロッパ、アフリカおよび南北アメリカへの旅行からの1万点に及ぶ写真アーカイブから選ばれたスナップを収録。常に人間の営みとその痕跡に向けられていた、篠原一男という建築家の眼差しの本質が浮かび上がります。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、現代美術センターCCA北九州のアーティストブックシリーズの一冊として2007年に刊行されたもの。巻末には、北九州で行われた篠原最後の講演録も収録されています。テキストは日本語、英語。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eA two-volume set on the work of architect Kazuo Shinohara, pairing a selection of his architectural works with a collection of his travel photographs.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe first volume, Works, features representative projects such as \"White House\" (1966) and \"House with an Earthen Floor\" (1963). It also includes \"Umbrella House\" (1962). Each project is presented with photographs, drawings, and an accompanying text by Shinohara himself. The second volume, Streets and Figures, contains a selection of photographs from the architect's archive of over 10,000 images, taken during his travels through Europe, Africa, and the Americas in the 1970s and 80s. Together, they reveal the essence of Shinohara's gaze, which was consistently directed towards human activity and its traces.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis set was published in 2007 as part of the artist's book series by the Center for Contemporary Art, CCA Kitakyushu. The publication concludes with the proceedings of Shinohara's last public lecture, held in Kitakyushu. Text in Japanese and English.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eCCAは、1997年に北九州で設立された、現代アートを専門とする研究・学習機関です。これまでに国際的に活躍する数々のアーティストやキュレーター、美術関係者に加え、建築や科学など様々な分野の専門家と協力して展覧会やアートのプロジェクト、シンポジウム、出版などを行ってきました。また、滞在型のスタジオプログラムやフェローシッププログラムなどを通じて、若手アーティストやキュレーターに向けた活動も行っています。2022年から拠点を瀬戸内海の弓削豊島（ゆげとよしま）に移し、特定非営利活動法人ピースウィンズ・ジャパンと共同で、CCA Islandsとして活動しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ehttps:\/\/cca-islands.org\/\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: \u003cbr\u003eSize: 155 x 210 mm\u003cbr\u003e2 softcover in a slipcase\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003e\u003cbr\u003epublished by CCA KITAKYUSHU, 2007\u003c\/p\u003e","brand":"CCA Kitakyushu","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50298564247849,"sku":null,"price":12000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/CCA.jpg?v=1747398119"},{"product_id":"alina-barbara-halina-helena-zofia-aglaia-konrad","title":"ALINA, BARBARA, HALINA, HELENA, ZOFIA \/ Aglaia Konrad","description":"\u003cp\u003eモントリオールの建築ミュージアム、「CCA（Canadian Centre for Architecture、カナダ建築センターとも）」による「CCA Singles」シリーズの一冊。オーストリア出身で現在はベルギーを拠点に活動するアーティストのアグライア・コンラッド（Aglaia Konrad）の作品に焦点を当てている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eアグライア・コンラッドの作品は書籍の形を成していることが多く、都市景観を研究するために写真を用いてきた手法のアーカイブを編集したものとして、それぞれの本は考えられている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eコンラッドによる2つのブック・プロジェクトは、フォトグラファーのバス・プリンセン（Bas Princen）とフォトグラファー、ヴィジュアルアーティストのステファノ・グラツィアーニ（Stefano Graziani）がキュレーションを手がけた展覧会『THE LIVES OF DOCUMENTS - PHOTOGRAPHY AS PROJECT』の一部としてある。この展覧会を企画する際、コンラッドは、第二次世界大戦後にワルシャワのいくつかの居住区を構想しこの街を緑の楽園として再定義した5人の建築家の女性の作品をリサーチし、その熱い想いを語った。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eこの展覧会でコンラッドが発表した2冊の本、『Atlas』（2000年）と『Copy Cities』（2003-2004年）が、都市に関する広範かつ体系的なドキュメンタリー作品における様々な断片をまとめたものだとすれば、本書のタイトルにも入れられているアリーナ・ショルツ（Alina Scholtz）、バルバラ・ブルカルスカ（Barbara Brukalska）、ハリーナ・スキブニェフスカ（Halina Skibniewska）、ヘレナ・シルクス（Helena Syrkus）、ゾフィア・ハンセン（Zofia Hansen）の5人の作品に関するコンラッドの調査は、今や、繋がりと帰属の場所を定義する建築と景観設計の役割がいかなるものかを考察する「旅の日記」へとつながっているだろう。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAglaia Konrad’s work often takes the form of a book, each conceived as an edited archive of the ways in which she uses photography to investigate urban landscapes. Two of her book projects were part of The Lives of Documents—Photography as Project, the project curated by Stefano Graziani and Bas Princen, and it was while putting this exhibition together that Konrad shared her enthusiasm after researching the work of five women that conceived several residential neighbourhoods in Warsaw after the Second World War and redefined the city as a green haven. If the two book projects she presented in our exhibition—Atlas (2000) and Copy Cities (2003–2004)—brought together multiple fragments of her extensive and systematic documentary work on cities, her survey of the work of Alina Scholtz, Barbara Brukalska, Halina Skibniewska, Helena Syrkus, and Zofia Hansen leads now to a travel diary that reflects on the role of architecture and landscape architecture in defining places of bonding and belonging.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\"\u003e\u003c\/span\u003ePages: 64\u003cbr\u003eSize: 154 x 231 mm\u003cbr\u003eSoftcover\u003cbr\u003eColor\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by CANADIAN CENTER FOR ARCHITECTURE (CCA), 2024\u003c\/p\u003e","brand":"CCA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50409008988457,"sku":"","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/ALINA_BARBARA_HALINA_HELENA_ZOFIA_AglaiaKonrad.jpg?v=1748252152"},{"product_id":"apartamento-issue-35-spring-summer-2025","title":"APARTAMENTO ISSUE #35 Spring\/Summer 2025","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eスペイン発のインテリア雑誌『Apartamento』は、2008年の創刊以来、年2回の刊行で暮らしと表現をめぐる多様な視点を紹介しています。第35号の表紙にはアーティストのカミーユ・アンロが登場し、ニューヨークの自宅で美術批評家エステル・ホイと語り合う様子が収められました。巻頭特集では、アンロの新作映像「In the Veins」に先がけ、ケアを軸にした未来への想像が描かれています。背表紙にはミュージシャンのディートン・クリス・アンソニーによるテキストが使われ、音楽活動の裏側も明かされています。作家レイラ・スリマニは、ジャーナリストのジーナ・カイヤーとともにフランスからリスボンへ移住した経緯を語り、創作と環境の関係について思索を深めます。映画撮影監督のダリウス・コンジとプロデューサーのジーコ・ジャッジによる対談は、写真家フランク・ルボンによってスライド形式で構成され、ビジュアル面でも印象深い内容です。さらに、映画『ロブスター』や『聖なる鹿殺し』を手がけた脚本家であるエフティミス・フィリップがオリジナル脚本「14 Stout Men」を書き下ろし、即興でQ\u0026amp;Aを行いました。この特別企画では、長年の友人であり共同製作者でもある映画監督のヨルゴス・ランティモス（Yorgos Lanthimos）が撮影を担当しています。ほかにも、アーティストや作家、デザイナーによる多彩な寄稿を通して、暮らしと創作が交差する豊かな現在のかたちを描き出しています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eThe new issue features a costumed duo on the cover belonging to artist Camille Henrot,  who speaks with Estelle Hoy from her home on the Upper West Side of Manhattan. Surreal domestic scenes are captured by Heather Sten, marking her fourth \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eApartamento\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e cover, the most of any photographer in the magazine’s history. Ahead of the launch of her latest film, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eIn the Veins\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, Henrot imagines a future shaped by epic ‘actions of daily care’. A supersized and shiny text by Deaton Chris Anthony appears on the magazine’s spine, accompanying an ‘admin reveal’ by the musician that marks his first time sharing the story behind his alias, alongside insights on his collaborations with Charli XCX and more.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eLeïla Slimani reflects on moving from Paris to Lisbon with Jina Khayyer, an attempt to escape the confines of her fame as a writer: \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e‘It’s not good for an artist to live in a context where you understand everything\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e’, she says, ‘\u003c\/span\u003e\u003cem\u003ewhere you have all the codes\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e’. Taking up that call in her adopted home of Guatemala, Vivian Suter dispels the myths that have been made about her art, her ‘stiffened, paint-covered garments...her armour’ as she prepares for the largest-scale retrospective of her work to date, opening this June at Palais de Tokyo.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eCelebrated cinematographer Darius Khondji, the renowned ‘Prince of Darkness’, meets with Zico Judge for a rare, career-spanning conversation, their time together captured in a 18- page-long film strip, carefully cut and spliced together by Frank Lebon. An original screenplay by Efthimis Filippou riffs on the standard Q\u0026amp;A, as the writer behind \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eThe Lobster\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e and \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eThe Killing of a Sacred Deer\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e faces off against ‘\u003c\/span\u003e\u003cem\u003e14 Stout Men\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e’, featuring photography by his longtime friend and collaborator, Yorgos Lanthimos.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eRaul Lopez reflects on his ascent through the fashion world as he poses for Renell Medrano in his New York City apartment, where he appears in conversation with Michael Bullock. In his interview with Steve Bailey, Jocko Weyland paints an extraterrestrial odyssey to the part spacecraft, part modernist home built by Kendrick Bangs Kellogg in southern California.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eA new story by Robert Plunket offers an exclusive look at the writer’s first book in over three decades, marking the return of a literary legend. He reflects on his landmark novels, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eMy Search for Warren Harding\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e and\u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eLove Junkie\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, in conversation with \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eApartamento\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e editor Noah T. Britton.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 384\u003cbr\u003eSize: 170 x 240 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by APARTAMENTO, 2025\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50493029646633,"sku":"","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/apartamento35.jpg?v=1749782907"},{"product_id":"isamu-noguchi-isamu-noguchi-softcover-2","title":"ISAMU NOGUCHI \/ Isamu Noguchi [SOFTCOVER]","description":"\u003cp\u003eロサンゼルス生まれの日系アメリカ人アーティスト、イサム・ノグチ（Isamu Noguchi）の作品集。2021年からヨーロッパで開催された、大規模な巡回回顧展に伴い刊行されたもの。1920年～30年代につくられた初期作品や抽象画、彫刻、ドローイング、プロダクト、遊具、庭園から、モエレ沼公園や瀬戸焼・唐津焼の作品など日本と関わりの深い作品まで、ありとあらゆる作品を網羅し、アトリエでの制作風景や彫刻のためのスケッチなど、制作プロセスなどのあまり知られていない側面までを収録しています。生涯を通して旅をし続けたことでも知られ、各地の文化や伝統と交わりながら分野を横断して多様な作品を発表し続けた作家の60年間に渡る制作活動に光を当てた決定版的作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 320\u003cbr\u003eSize: 225 x 266 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by PRESTEL PUBLISHING, 2022\u003c\/p\u003e","brand":"PRESTEL PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50629478351145,"sku":null,"price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/ismaunoguchi.jpg?v=1752229927"},{"product_id":"the-new-era-magazine-6","title":"The New Era Magazine 6","description":"\u003cp\u003eインテリア、建築、デザイン、クラフトをテーマに、洗練されたデザインで年2回発行される北欧発の雑誌『The New Era Magazine』。第6号では、コペンハーゲンのアーティストの自邸から、ロンドンのデザイナー、ベサン・ローラ・ウッドの住まい、ニューヨークの雑誌『PIN–UP』創設者フェリックス・ブルヒターの自宅まで、現代のデザイナーたちの思考を彼らの個人的な空間を通して考察します。そのほか、Acne Studiosなどの空間を手がけるスタジオ「ハッレロード」、カニエ・ウェストのクリエイティブディレクターを担うウィロ・ペロン、デザイナーのロン・アラッドらへのインタビューを収録。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIssue 06 of The New Era Magazine presents a selection of distinctive homes and studios, offering conversations with thinkers, makers, and creatives reflecting on life today. The issue features a look inside the home of artist Gun Gordillo and the studio of Karl Monies in Copenhagen, as well as a visit to designer Bethan Laura Wood’s eclectic London residence. In a celebration of print culture, the magazine travels to New York to explore the home of PIN–UP founder Felix Burrichter. Designer Fredrik Paulsen speaks with Ron Arad, while the interior design studio Halleroed shares insights on designing in times of uncertainty. In Los Angeles, the magazine visits designer and creative director Willo Perron in his multidisciplinary studio. “We have no idea what the world will look like in 20 years, and clinging to the idea that things will stay the same only makes it harder to cope with change. We have to remain adaptable,” he says. Bringing together interiors, architecture, design, and craft, The New Era Magazine is a thoughtfully designed biannual publication.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 208\u003cbr\u003eSize: 220 x 330 mm\u003cbr\u003eSoftcover\u003cbr\u003eColor\u003cbr\u003eEnglish\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by New Era Magazine, 2025\u003c\/p\u003e","brand":"New Era Magazine","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50702862614825,"sku":null,"price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/neweramagazine6_e71f6f74-c23c-47f5-9f6b-9b789a6055cb.jpg?v=1753606777"},{"product_id":"an-encounter-with-charlotte-perriand-charlotte-perriand","title":"AN ENCOUNTER WITH CHARLOTTE PERRIAND \/ Charlotte Perriand","description":"\u003cp\u003eフランス人建築家でありデザイナーのシャルロット・ペリアン（Charlotte Perriand）による作品集。2023年1月にパリのギャラリー「Galerie Les Filles du Calvaire」で開催された展覧会に伴い刊行された。本展覧会は、パリ・デザイン・ウィーク期間中に、作者が20年に渡り監修を手がけたスキーリゾート・プロジェクト「レ・ザルク（Les Arcs）」のコレクションが発表され、作者の創作活動における色使いを探求するオブジェやドローイングもあわせて展示された。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e1967年から20年間、作者にとって最も野心的なプロジェクトのひとつとなった、フレンチアルプスの広大なスキーリゾート「レ・ザルク」。作者はその開発に携わった。1972年にデザインを手がけ、リゾート施設のレジデンスを彩るために構想された、未発表の織物パネルシリーズの彩色習作6点はパリの書庫で手つかずのまま保管されていた。このコレクションは、残念ながら予算の都合上実現することができなかった。リゾート開業50周年を迎えた2023年、イタリア・ミラノのラグブランド「cc-tapis」によって手織ラグコレクションとして誕生し、日本の漆工芸や版画など作者の生涯にわたる職人技への情熱を証明する作品群が、作者の未発表アーカイブと色彩の卓越性をたたえる本展で展示された。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本展のキュレーションは『A Magazine Curated By』の編集長を務めるダン・サーリー（Dan Thawley）が担当。ブラジル出身でありパリ在住のフォトグラファー、マルセロ・ゴメス（Marcelo Gomes）が展示作品のイメージ、一部展示風景写真を撮影。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBy 1972, architect and designer Charlotte Perriand had dedicated a significant amount of her life to Les Arcs, a sprawling ski complex in the French Alps that would become one of her most ambitious projects. Six unpublished colour studies for a series of woven panels intended to brighten the alpine apartments, dated that same year, have laid untouched for 50 years in her Paris archives. Now they are brought to life by cc-tapis as a collection of handwoven carpets, presented in an exhibition celebrating Perriand’s unpublished archives and mastery of colour – testament to her lifelong passion for artisanal craft, from Japanese lacquer work to line block printing.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 48\u003cbr\u003eSize: \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e150 x 210 mm\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003esoftcover\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003elimited edition of 1,000 copies \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eA MAGAZINE CURATED BY, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"A Magazine Curated by","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50735177957673,"sku":null,"price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/cctapis.jpg?v=1754303424"},{"product_id":"eileen-gray-le-corbusier-e1027-123-stephane-couturier","title":"EILEEN GRAY \/ LE CORBUSIER [E1027+123] \/ Stéphane Couturier","description":"\u003cp\u003eフランス人フォトグラファー、ステファン・クチュリエ（Stéphane Couturier）による作品集。2025年7月から10月にかけて「アルル国際写真フェスティバル（Les Rencontres d'Arles）」において「モンマジュール修道院（Abbaye de Montmajour）」で開催した展覧会に伴い刊行された。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e作者は、トヨタの「バランシエンヌ（フランス北部ノール県）工場（Usine Toyota - Valenciennes）」やブラジリアの建築物などを様々な視点で捉えてイメージを組み合わせた代表的なシリーズ「MELTING POINT」や、北インドの都市チャンディーガルでル・コルビュジエ（Le Corbusier）とピエール・ジャンヌレ（Pierre Jeanneret）が手がけた建築や、アルジェの象徴的な建物などを真正面から水平垂直に捉えたシリーズなどで知られる。「MELTING POINT」シリーズにおいては、写真というメディアと、客観的であるはずの写真の性質との関係を再考しており、複数のイメージを重ね合わせることで、抽象と記録を融合させた非常に多様な形態と色彩によって構成される絵画的な描写を生み出している。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e今作において作者は、モダン住宅の傑作である「ヴィラ E-1027（Villa E 1027）」に足跡を残した2人の建築家、アイリーン・グレイ（Eileen Gray）とル・コルビュジエ（Le Corbusier）を結びつけることで、その「芸術性の統合」という概念を探る。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eアイルランド出身のプロダクトデザイナーであり建築家のアイリーン・グレイが、恋人であり建築家、建築評論家であるジャン・バドヴィッチ（Jean Badovic）のために、この「E 1027」プロジェクトを建築のマニフェストとして構想したのは1926年のことだった。フランス、ロクブリュヌ＝カップ＝マルタンに建つこの別荘は、二人の名前を組み合わせた暗号としてこの名が付けられた。「E」はアイリーンのE、「10」はアルファベットの10番目にあたるJとしてジャンを意味し、同じく「2」はバドヴィッチのB、「7」はグレイのGを指す。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e完成から10年後、のちに歴史に刻まれる驚くべき出来事が展開された。1938年と1939年、ル・コルビュジエが大胆にもこの場所の壁に介入し、フレスコ画を描いた。アイリーン・グレイの許可なく描かれたこの壁を彼女は否定し、二度とこの別荘に戻ることはなかった。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e作者は、現代において写真という表現のもと、その建築様式、描かれたフレスコ画、家具、外の空間を重ね合わせることで時代を融合させ、空間を再構築し、この象徴的な場所の歴史をスケッチしている。透明感が持つ自由さ、自然と建築がもたらす望遠鏡のような描写、ル・コルビュジエのフレスコ画とアイリーン・グレイがデザインした家具の細部を写し出すことで、この場所に誇らしさをもたらしている。そこから生まれる二重性をもったイメージは、動き、不安定さ、儚さ、ドキュメントとフィクションの間にある物事と世界における新たな認識を表現すべく、現実がもつレイヤーを複雑にすることができる。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書はシリーズの全作品、約30点の大判写真作品で構成され、我々に豊かなディテールをもたらし、この建築が織りなすアンサンブルが繰り広げる「芸術性の総合」を見せてくれる。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eタイトルに加えられた「+123」は、「12」が指すL、「3」が指すCをもって、ル・コルビュジエを表している。アイリーン・グレイの建築と、ル・コルビュジエの壁画を作者が融合することで、鑑賞者をある種の「芸術の和解」に誘うのである。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eスイス・ローザンヌに建つ「エリゼ写真美術館（Photo Elysée）」のディレクターであり美術史家のナタリー・ヘルシュドルファー（Nathalie Herschdorfer）によるエッセイを収録。本作をふさわしき文脈へと位置付けている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFrom the construction sites of Berlin to the housing built by Fernand Pouillon in Algiers in the 1950s, Stéphane Couturier rethinks the relationship between the photographic medium and its supposedly objective nature. Through the superimposition of several images, the artist composes tableaux of great diversity of form and color, combining abstraction and documentary.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe “E-1027 + 123” series explores the Villa E-1027, a modernist work designed in 1926 by Eileen Gray and Jean Badovici in Roquebrune-Cap-Martin, named according to a code uniting their respective names (E for Eileen, 10 for Jean's J, the tenth letter of the alphabet, 2 for Badovici's B, 7 for Gray's G). In 1938 and 1939, Le Corbusier intervened in the house, with Badovici's agreement, and painted frescoes on the walls.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBy superimposing the architecture of the building, the painted frescoes, the furniture and the exterior space, Stéphane Couturier merges the eras, reinvents the space and sketches out the history of this emblematic place. The book brings together some thirty large-format photographs, offering the viewer a wealth of detail and revealing the “synthesis of the arts” at play in this architectural ensemble.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished to coincide with the eponymous exhibition presented at the Abbaye de Montmajour during the Rencontres d'Arles 2025, this book brings together the entire “E-1027 + 123” series. An essay by Nathalie Herschdorfer, art historian and director of Photo Elysée in Lausanne, places the work in its proper context.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 80\u003cbr\u003eSize: 240 x 310 mm\u003cbr\u003eHardcover\u003cbr\u003eColor\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by ATELIER EXB, 2025\u003c\/p\u003e","brand":"Atelier EXB","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50808654725417,"sku":null,"price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/EILEENGRAY_LECORBUSIER.jpg?v=1755516548"},{"product_id":"a-book-of-things-jasper-morrison","title":"A BOOK OF THINGS \/ Jasper Morrison","description":"\u003cp\u003eイギリスを代表するデザイナー、ジャスパー・モリソン（Jasper Morrison）。彼のデザイン哲学「スーパーノーマル」を体現する、2015年に刊行された名著の増補改訂版です。本書は、作者の多彩なキャリアのハイライトを、初期の代表作から最新のプロジェクトまで網羅。デザインが生まれたきっかけに関する個人的な逸話や、貴重なスケッチも交えながら、その制作プロセスを紐解きます。今回の増補版では、2015年版にはなかったマヨルカ島のパン屋や自転車のデザインなど、近年の作品を追加するだけでなく、個々のオブジェクトが空間全体にいかに作用するかという、インテリアに対する彼の視点がより強調されています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRevised and extended version of the 2015\/2017 edition\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eKnown for his “Super Normal” approach to design, Jasper Morrison looks to find the exceptional in the world of the ordinary. Underpinned by his principle that “objects should not shout,” Morrison’s designs are defined by beguiling simplicity, ready familiarity and a distinctive playfulness. While he made his name with the Thinking Man’s Chair in 1985, he has won devotion for a broad spectrum of projects, from cell phones to lights, tea sets and door handles as well as for his interiors, exhibitions, books and photography.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e“A Book of Things” is a guide to Morrison’s intense examination of the world of things that accompany our lives and shape our environment. It presents the highlights in his long and varied career, showing projects from draft sketches to finished product, accompanied by his personal anecdotes on the genesis of each design. This revised and extended edition of the original 2015 publication adds his most recent designs, including a bakery in Majorca, a magazine cover and a bicycle. At the same time as it emphasizes the diversity of his practice, this edition brings to the fore Morrison’s feel for interiors. For Morrison, an object’s success rests not in isolation but in its ability to create an atmosphere in a setting. This new edition manifests his sensitivity to settings as well as his approach to objects, his process of design and his eye.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 312\u003cbr\u003eSize: 170 x 230 mm\u003cbr\u003eSoftcover\u003cbr\u003eColor, b\u0026amp;w\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by LARS MÜLLER PUBLISHERS, 2025\u003c\/p\u003e","brand":"LARS MÜLLER PUBLISHERS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50808662163753,"sku":null,"price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/ABOOKOFTHINGS_JasperMorrison_c6c801e8-74b5-48eb-bdf6-579e63e2cdb9.jpg?v=1755516069"},{"product_id":"donald-judd-writings-donald-judd","title":"DONALD JUDD WRITINGS \/ Donald Judd","description":"\u003cp\u003e偉大なアーティストであると同時に、極めて重要な批評家でもあったドナルド・ジャッド（Donald Judd）による決定版と言える著作集。本書には、ジャッドの代表的な美術評論「Specific Objects」をはじめ、1960年代の美術批評を定義づけたと評される有名なエッセイ群はもちろん、これまで入手困難だった文章や未公開の草稿、書簡、手書きのノートまで、ジャッドの言葉のすべてが最も包括的な形でまとめられています。なぜドナルド・ジャッドは、今なお現代の芸術において存在感を放ち続けるのか。その徹底した思考の強度と制作の根源を、作家自身の言葉を通して発見するための一冊です。巻末では、評論で言及したイメージが180点に及ぶ図版で収録されています。テキストは英語。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e編集は、キュレーターであり「ジャッド・ファウンデーション（Judd Foundation）」の共同代表であるフレイヴィン・ジャッド（Flavin Judd）、財団のアーカイヴおよびプログラムのディレクターを務めていたケイトリン・マレー（Caitlin Murray）が担当。2016年に財団と「DAVID ZWIRNER BOOKS」の共同刊行により初版が刊行され、2017年に第2刷、そして本第3刷は財団と「MACK」により改めて2025年に共同刊行されたもの。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis is the definitive collection of writings by Donald Judd, who was not only a great artist but also a critic of seminal importance. This volume is the most comprehensive compilation of Judd's words, featuring his landmark essay 'Specific Objects', his renowned texts that defined art criticism in the 1960s, as well as previously hard-to-find writings, unpublished drafts, correspondence, and hundreds of handwritten notes. A plates section at the back of the book also features 180 images of works discussed in the essays. Why does Donald Judd continue to hold such a formidable presence in contemporary art? This book is an opportunity to discover the rigorous intensity of his thought and the very source of his artistic practice, all through the artist's own words. Text in English.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 1056\u003cbr\u003eSize: \u003cspan\u003e108 x 178\u003c\/span\u003e mm\u003cbr\u003eHardcover\u003cbr\u003eColor, black and white\u003cbr\u003eEnglish\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by JUDD FOUNDATION, MACK, \u003cspan\u003e2025 (2016)\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Judd Foundation","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51233055605033,"sku":null,"price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/donaldjuddwritings.jpg?v=1758460130"},{"product_id":"chair-500-designs-that-matter","title":"Chair: 500 Designs that Matter","description":"\u003cp\u003eイームズ夫妻やハンス・J・ウェグナー、ジョージ・ナカシマといったミッドセンチュリーの巨匠から、エットーレ・ソットサスや倉俣史朗、ミース・ファン・デル・ローエ、ドナルド・ジャッド、そしてブルレック兄弟といった現代のデザイナーまで、デザイン史に残る500脚の名作椅子をまとめた作品集。デザイナー不明の歴史的なプロダクトからモダンデザインに至るまで、優れたデザインとともに現代に多大な影響を及ぼす椅子が、美しい写真とともに紹介されています。巻末では、それぞれのデザインの解説を年代順に掲載。これまでさまざまなデザイナーや建築家、アーティストによって積み上げられてきた椅子のデザイン史を俯瞰できるリファレンスブック。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFeatured designers include: Alvar Aalto, Eero Aarnio, Ron Arad, Cini Boeri, Erwan and Ronan Bouroullec, Marcel Breuer, Campana Brothers, Charles and Ray Eames, Naoto Fukasawa, Frank Gehry, Jaime Hay.n, Arne Jacobsen, Hella Jongerius, Finn Juhl, Shiro Kuramata, Erwine and Estelle Laverne, Ludwig Mies van der Rohe, Jasper Morrison, George Nakashima, George Nelson, nendo, Charlotte Perriand, Gaetano Pesce, Jean Prouvé, Snarkitecture, Patricia Urquiola, Otto Wagner, and Hans Wegner.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eA compelling collection of the world’s most innovative, stylish, and influential chairs from across the globe. Throughout history, the chair has presented designers the world over with infinite opportunities to experiment with new production methods and innovative materials within the set parameters of an object that is primarily there to serve a practical purpose. Now available with a new cover, Chair: 500 Designs that Matter celebrates the humble chair as never before, from early examples to today’s cutting-edge creations. It invites you to sit back and be taken on a journey through the creative imaginations of hundreds of internationally renowned designers.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 656\u003cbr\u003eSize: 163 x 123 mm\u003cbr\u003eHardcover\u003cbr\u003eColour\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by Phaidon, 2025\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Phaidon","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51269992972585,"sku":null,"price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/chair_50a003b6-59e4-4822-a048-99d8fdfb3cae.jpg?v=1759465652"},{"product_id":"shiro-kuramata-1","title":"Shiro Kuramata","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eデザイナー、倉俣史朗（Shiro Kuramata, 1934-1991）の作品集。2013年に刊行され、長らく入手困難となっていた倉俣の決定版モノグラフが、新たな序文を加えた新版として刊行されたもの。本書は2巻構成で、倉俣史朗というデザイナーの全貌に迫ります。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e第1巻では、ディヤン・スジック（Deyan Sudjic）が、倉俣の生涯と仕事を彼が生きた日本の激動の時代を背景に解説。豊富な作品写真とともに、未公開であったスケッチやドローイング、図面を多数収録し、その詩的で思慮深い思考の源泉を紐解きます。60年代から80年代の記事を中心に倉俣自身の貴重なインタビューや文章も掲載されており、その多くは日本の雑誌等からのもので、原文の日本語と英訳テキストの両方で読むことができます。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e第2巻は、現存しないインテリアデザインを含め、生涯で手掛けた600以上もの全仕事を網羅した詳細なカタログです。多くは本書以前では未発表だったもので、美しいアーカイブ写真と、制作背景や技術情報にまつわる逸話を交えた詳細な解説文とともに掲載。ポンピドゥー・センターやMoMA、ヴィトラ・デザイン・ミュージアムといった美術館に収蔵される名作の背景までもが明かされる、決定版と呼ぶにふさわしいカタログとなっています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、倉俣作品へのオマージュとして、4色のアクリルで作られた特別仕様のケースに収められています。光を受けて表情を変える、美しいプロダクトとしての存在感も際立つ名作です。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA monograph on the designer Shiro Kuramata (1934–1991). Originally published in 2013, this definitive book on Kuramata’s work, long out of print, has been reissued in a new edition featuring a new introduction. Presented as a two-volume set, it offers a comprehensive insight into the designer's entire career.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe first volume features a text by Deyan Sudjic, who contextualises Kuramata's life and work against the backdrop of Japan's turbulent history. Alongside a wealth of photographs, it includes previously unpublished sketchbooks, drawings and plans that explore the source of his poetic and thoughtful intellect. It also contains valuable interviews and writings by Kuramata himself, mainly from Japanese magazines and articles from the 1960s to the 1980s, which can be read in both the original Japanese and the new English translation.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe second volume is a detailed catalogue raisonné, compiling over 600 works from his lifetime, including interiors that no longer exist. Many of these works were unpublished prior to this book and are presented here with beautiful archive photography and extensive captions filled with anecdotes on their production background and technical details. Revealing the context behind masterpieces held in the collections of museums such as the Centre Pompidou, MoMA, and the Vitra Design Museum, it is a catalogue truly worthy of being called definitive.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAs an homage to Kuramata's work, the book is housed in a special acrylic slipcase. Crafted from four colours of acrylic, this case changes its appearance with the light, elevating the book itself into a beautiful design object.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages 406\u003cbr\u003eSize:312 x 242 mm\u003cbr\u003eHardcover\u003cbr\u003eColour\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by Phaidon, 2025 (2013)\u003c\/p\u003e","brand":"Phaidon","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51270056411433,"sku":null,"price":24200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/shirokuramata1.jpg?v=1759154040"},{"product_id":"assemble-building-collective","title":"Assemble: Building Collective","description":"\u003cp\u003eロンドンを拠点に活動する建築コレクティブ〈Assemble〉の作品集。彼らの名が現代美術の世界で広く知られるきっかけとなったのは、2015年のターナー賞の受賞でした。建築分野のグループとしては初の受賞であり、評価の対象となったのは、リバプールの荒廃した住宅街を住民と共に再生したプロジェクト「グランビー・フォー・ストリーツ（Granby Four Streets）」です。彼らは地域住民とワークショップを行い、建物の瓦礫や廃材から美しい暖炉やドアノブを作り出すなど、地域との協働を通じて場所に新たな価値とコミュニティを育みました。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書『Assemble: Building Collective』は、10年以上にわたる彼らの作品を、建築評論家アーロン・ベツキー（Aaron Betsky）との対話を通して深く掘り下げた一冊です。ガソリンスタンド跡地を映画館に変えた初期のプロジェクトに始まり、高く評価されるゴールドスミスCCAのアートギャラリー、南仏アルルにおける実験的なワークショップまで、彼らの主要なプロジェクトを豊富な写真、ドローイング、そして彼ら自身の言葉で紹介します。建築と協働の在り方を書き換える彼らの活動を包括的にまとめた作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAssemble are not your usual architects. They work as a collective, where everything from which projects to take on to who clears away lunch is decided by the group. Formed in 2010 to conceive, build and run a temporary cinema on the site of a disused petrol station, they went on to design the celebrated Goldsmiths Centre for Contemporary Art in London and the workshops at Atelier Luma in Arles, alongside numerous community projects such as playgrounds and public spaces. The fact that in 2015 they scooped the prestigious Turner Prize – more often given to mid-career artists – along the way gives some indication of the nature of their surprising, collaborative work and its cultural impact.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis book is the result of extensive conversations between the group and architecture critic Aaron Betsky, bringing together all of their significant projects to date through photographs, drawings and their own words.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 352\u003cbr\u003eSize: 270 x 215 mm\u003cbr\u003eHardcover\u003cbr\u003eColour\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Thames \u0026amp; Hudson, 2025\u003c\/p\u003e","brand":"Thames \u0026 Hudson","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51338834968873,"sku":null,"price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/assemble.jpg?v=1760334018"},{"product_id":"ark-journal-volume-xiv-autumn-winter-2025-26","title":"ARK JOURNAL VOLUME XIV AUTUMN\/WINTER 2025\/26","description":"\u003cp\u003eスカンジナビア発、年二回刊行のインテリア雑誌『ARK JOURNAL』の第14号。世界中の美しい住居とそこに住む人々の物語は、空間がただ美しい家具やアートを置くこと以上に哲学やパーソナリティの表現であることがわかる。2019年にデンマークの有名インテリア雑誌のエディター、スタイリストを長年勤めるメッテ・バーフォード（Mette Barfod）が創刊した本誌は「私たちの周りの空間、そこに置くオブジェクト、そのオブジェクトの作り手」をテーマにしている。建築、デザイン、アートの相互作用にスカンジナビアの価値観や美学を通してフォーカスする。本号は、3種類の表紙でお届けする。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本号では、「回顧、追憶、記憶（recollections）」をテーマに掲げ、現代建築とデザインに生じている静かでありながら力強い変化にスポットを当てている。それは、過去を消し去るのではなく、そこに何かを築こうと試みる建築家や創造力にあふれた人々の新たな流れである。建築に込められた歴史を尊重し、その土地に根付く技術や伝統に深く敬意を払いながら、画一性よりも複雑さを、分離よりも連続性を大切にし、既存の構造に対抗するというよりはむしろ共に在ることを考える。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eフランスの片田舎では、「ポレ・ピネ・アーキテクツ（Pollet Pinet Architectes）」が人々に忘れ去られた建物に新たな命を吹き込み、地元の工芸品や機微な刷新を取り込みながらヴァナキュラーな伝統を蘇らせる。ジョージア、トビリシで初の女性運営インテリアデザインスタジオ「Rooms Studio」を設立したナタ・ヤンベリゼ（Nata Janberidze）は、この街で自身のアパートメントを手がけ、歴史と文化、そして私的な表現を力強く織り交ぜる。ニューヨークでは、ギャラリストであるスザンヌ・デミッシュ（Suzanne Demisch）とコレクターであるジェフリー・グラッチ（Jeffrey Graetsch）が時の経過を隠さずに受け入れ、その空間でいかに暮らすことができるのか実践する。アーティストのボスコ・ソディ（Bosco Sodi）がメキシコに持つ住居兼アトリエは、建築とアートの間に起きる生のシナジーを体現し、アーティストであり食のヴィジョナリーであるライラ・ゴハー（Laila Gohar）がニューヨークに持つ自身のロフトは、創造やデザイン、ストーリーテリングを融合したインテリア空間に仕上がっている。ここで紹介されている空間はすべて、本号のもうひとつのテーマである「融合された場所」としての家を例証する。それは、古きものと新しいもの、物質的なものと比喩的なもの、私的なものと集合的なものの融合であり、我々が何者であるかを形作る。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本号ではバックナンバーと同様、世界中を旅しながらクリエイティブな声を誌面で響かせている。スケールとフォルムで戯れる東京のジュエラーや、古代の石を組み立ててモニュメントのような家具を制作するバリ島拠点のシンガポール人アーティスト。フィンランドの工業デザイン界を牽引したタピオ・ヴィルカラ（Tapio Wirkkala）の息女は人里離れたラップランドでの夏を回想し、とある日本人建築家は場所と素材に由来するユニークな物語を作品にする。そしてロサンゼルスに建つ、ユネスコ世界遺産にも指定されたフランク・ロイド・ライト（Frank Lloyd Wright）の傑作「ホリーホック邸（Hollyhock House）」もまた、地域特有のモダニズムを決定づけた神話的とも言えるマッシュアップ（融合）である。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e「CASE STUDY」では、建築家であるビャルケ・インゲルス（Bjarke Ingels）率いる「Bjarke Ingels Group: BIG」がコペンハーゲンに建造したコンクリート打ち放しの新社屋を撮影し、周囲の構造やその美しさと共鳴させながら生々しく強固な自然素材から形作ったオブジェの組み合わせを見せている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e※ 本書は印刷や製本、紙の性質上、細かなスレなど軽度のダメージがある可能性がございます。予めご了承ください。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArk Journal Volume XIV spotlights a quiet yet powerful shift occurring in contemporary architecture and design – a new wave of architects and creatives that seeks not to erase the past, but to build on it. With deep respect for the histories embedded in buildings and honouring local crafts and traditions, they work with, rather than against, existing structures while valuing complexity over uniformity, continuity over rupture.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIn rural France, Pollet Pinet Architectes breathes new life into forgotten buildings, reviving vernacular traditions through local craft and subtle innovation. Step into Nata Janberidze’s apartment in Tbilisi, a powerful blend of history, culture and personal expression. In New York, experience how gallerist Suzanne Demisch and collector Jeffrey Graetsch live in spaces where time is not concealed, but embraced. We visit Bosco Sodi’s house and studios in Mexico that embody the raw synergy between architecture and art, and artist and food visionary Laila Gohar in her New York loft, an interior where creativity, design and storytelling merge. All these spaces exemplify another theme of this edition: home as a place of convergence, where old and new – material and metaphorical, personal and collective – shape who we are.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eVolume XIV, like all issues, travels the world to amplify creative voices: a jeweller in Tokyo who plays with scale and form; a Singaporean artist in Bali who assembles ancient stones into monumental furniture; the daughter of Tapio Wirkkala reminiscences about summers in remote Lapland; a Japanese architect whose works tell unique stories based on location and materials; Frank Lloyd Wright’s Hollyhock House in Los Angeles, a mythopoetic mashup that became a defining force of regional modernism.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eOur Case Study, shot in the the exposed concrete new headquarters of BIG in Copenhagen, assembles objects fashioned from raw and uncompromising natural materials in sync with the tectonics and aesthetics of their surroundings.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e240\u003cbr\u003eSize: \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e236 x 315 mm\u003cbr\u003eSoftcover\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eColor, black and white\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003ePublished by ARK JOURNAL, 2025\u003c\/p\u003e","brand":"ARK JOURNAL","offers":[{"title":"A","offer_id":51384806965545,"sku":null,"price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"B","offer_id":51384806998313,"sku":null,"price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"C","offer_id":51384807031081,"sku":null,"price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/cover_A.jpg?v=1761370098"},{"product_id":"suspended-moment-the-architecture-of-frida-escobedo","title":"SUSPENDED MOMENT: The Architecture of FRIDA ESCOBEDO","description":"\u003cp\u003eメキシコを拠点に活動する建築家、フリーダ・エスコベド（Frida Escobedo）。2022年、メトロポリタン美術館（The Met）の近現代美術のための新棟設計者に選ばれ、同館の歴史上初めてウィングの設計を担う女性建築家として世界的な注目を集めました。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、メキシコの住宅やホテルなど初期の作品から、2018年に当時歴代最年少で手がけたサーペンタインギャラリーのパビリオン、リナ・ボ・バルディの回顧展「Lina Bo Bardi: Habitat」の会場構成など、作者の20年にわたる実践を包括的に概観する初の作品集です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eエスコベドの建築は、しばしば「時間」という無形の要素を物質化することを試みます。2018年のサーペンタイン・ギャラリーのパビリオンでは、メキシコの伝統的な\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e格子窓（セロシア）を用い、鏡面仕上げの天井と水面を組み合わせることで、ロンドンの空の移ろいや太陽の動きを捉える瞑想的な空間を生み出しました。作者は空間を、その場所の歴史と現在、そして周囲の環境に応答する「言語」として扱い、仮設的なインスタレーションから恒久的な公共建築に至るまで、洗練されたアプローチで土地の文脈を読み解いていきます。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本作では、豊富な図版やエッセイ、建築家本人へのインタビューを通して、コンクリート・ポエトリーから故郷メキシコシティに至るまでの、多様なインスピレーションの源泉について論じています。ジェンダーやアクセシビリティ、環境への配慮といった現代的な課題への視点も交えながら、作者の実践を深く掘り下げた一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eArchitect Frida Escobedo's (b. 1979) designs for public spaces have received global accolades. In 2022, she was commissioned to design the new Oscar L. Tang and H.M. Agnes Hsu-Tang Wing for Modern and Contemporary Art at The Metropolitan Museum of Art. Suspended Moment is the first overall survey of her career to-date including her award-winning structures that treat space as a language—layered, responsive, and reflective of both a site's history and its present. This timely profile of the first woman to design a wing at the Museum explores Escobedo's attention to gender, accessibility, and the environment. Focusing on both temporary and permanent structures in the context of her burgeoning career, the publication delves into Escobedo's twodecade multimedia practice. Interviews with the architect alongside informed essays discuss the bases of her work and her diverse inspirations, ranging from concrete poetry to her hometown of Mexico City, which she describes as a \"modern metropolis with ancient roots . . . in other words, a living, breathing museum.\"\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 132\u003cbr\u003eSize: \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e178 x 273 mm\u003cbr\u003eSoftcover\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eColor\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003ePublished by\u003cspan\u003e The Metropolitan Museum of Art\u003c\/span\u003e, 2025\u003c\/p\u003e","brand":"The Metropolitan Museum of Art","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51408469098793,"sku":null,"price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/SUSPENDEDMOMENTTHEARCHITECTUREOFFRIDAESCOBEDO_05d3c05b-2003-4c03-bc09-9dfa703c8591.jpg?v=1761660137"},{"product_id":"w-system-of-culture-we-were-in-the-kitchen-we-refer-to","title":"w\/System of Culture: we were in the kitchen, we refer to…","description":"\u003cp\u003e2025年に同時開催された、建築レーベルw\/(ホワイトラインズ)と写真家System of Cultureの協働によるふたつの展示をまとめたカタログ。展示はともに建築と写真における参照をテーマにしており、写真と図面の組合せで構成された《we were in the kitchen》シリーズと、木製の額縁にモザイクタイルのパターンが嵌め込まれた《we refer to...》シリーズからなる。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eカタログは3部で構成され、判型の異なる3冊のブックレットが束ねられている。A4判のブックレットにはプラトーブックスでの「we refer to...」展、B5判のブックレットにはケージギャラリーでの「we were in the kitchen」展の記録が掲載され、それぞれが独立した展示でありながら、同時に互いが複雑に関連しあった展示であることがブックデザインを通じて表現されている。具体的には、ふたつの展示記録は互い違いになるように綴じられていて、仮にA4判の冊子を「A」、B5判の冊子を「B」とする場合、このカタログでは「A」と「B」、そして「AまたはB」というページが存在する。これらのページの存在によって、両展に共通するイメージを「窓」として機能させ、展示会場に配置された作品への直観的な「扉」を得た読者が、展示のテーマである参照関係というアイデアを「家」としてのカタログに持ち込めるようにデザインされている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eまたA5判の冊子には建築写真の研究者と写真家による寄稿「コラボレーションとシステム」と「参照関係をめぐる断章五選」、それから作家自身による解説文「参照と協働について」が掲載され、鑑賞のガイドラインとしての役割を果たしている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本カタログは建築家と写真家による協働の新たなシステム探求の記録であり、一見自律的な立場にあるふたつの制作主体の在り方を問い直すためのひとつの試みである。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis catalog compiles two exhibitions held simultaneously in 2025, a collaboration between the architecture label W\/ and the photography collective System of Culture. Both exhibitions explore the theme of reference in architecture and photography. The first, titled We Were in the Kitchen, comprises combinations of photographs and drawings, while the second, titled We Refer to..., features mosaic tile patterns embedded within wooden frames.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe catalog consists of three parts, bound together as three booklets of different sizes. The A4-sized booklet documents the ‘We Refer to...’ exhibition at Plateau Books, while the B5-sized booklet documents the ‘We Were in the Kitchen’ exhibition at Cage Gallery. The book design illustrates how these were independent exhibitions that were also complexly interrelated. Specifically, the two exhibition records are bound in an alternating pattern. If we designate the A4 booklet as “A” and the B5 booklet as “B”, then this catalog contains pages labelled “A”, “B”, and “A or B”. These pages serve as a ‘window’ for images common to both exhibitions. The design allows readers to gain an intuitive ‘door’ to the works placed in the exhibition space and bring the idea of referential relationships—the exhibition’s theme—into the catalogue as a ‘house’.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe A5 booklet also features contributions by an architectural photography researcher and photographer—‘Collaboration and Systems’ by Chika Kato and ‘Reference Subjects Are Reference Sources’ by Gottingham—along with the artist’s own explanatory text, ‘On Reference and Collaboration’, which serves as a viewing guide.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis catalog documents the architects’ and photographers’ exploration of a new collaborative system and serves as an attempt to re-examine the nature of two seemingly autonomous creative entities.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eType: Catalog\u003cbr\u003eDrawing: w\/\/(100-1-1000)\u003cbr\u003ePhotography: System of Culture, Cage Gallery\u003cbr\u003eText: Chika Kato, Gottingham, w\/\/(100-1-1000)\u003cbr\u003eGraphic objects: Masayuki Makino\u003cbr\u003ePublished by w\/\/(100-1-1000), 2025\u003cbr\u003ePrinted and bound in japan\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e図面：ホワイトラインズ(wlllines.net)\u003cbr\u003e写真：システムオブカルチャー(systemofculture.com)、ケージギャラリー\u003cbr\u003e文章：加藤千佳、ゴッティンガム、ホワイトラインズ\u003cbr\u003eデザイン：牧野正幸\u003cbr\u003eカラー・モノクロ \/ 英語・日本語\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDimensions (Cover): W225mm×H297mm\u003cbr\u003eDimensions (Book\/20 pages): W210mm×H297mm (A4)\u003cbr\u003eDimensions (Book\/24 pages): W182mm×H257mm (B5)\u003cbr\u003eDimensions (Book\/20 pages): W148mm×H210mm (A5)\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 44\u003cbr\u003eSize: 210 x 297 mm\u003cbr\u003eSoftcover\u003cbr\u003eColor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003ePublished by w\/\u003c\/span\u003e, 2025\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"w\/","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51773820895529,"sku":null,"price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/w.jpg?v=1763379718"}],"url":"https:\/\/en.aohatabooks.com\/collections\/architecture.oembed?page=2","provider":"本 屋 青 旗 Ao-Hata Bookstore","version":"1.0","type":"link"}